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SUMMARY:A.K.A. (Also Known As)
DESCRIPTION:Autor: Daniel J. Meyer.\n\nDirección:   Montse Rodríguez Clusella.\n\nProducción: Flyhard Produccions / Sala Flyhard.\n\nIntérprete: Albert Salazar.\n\nFechas: del 6 al 17 de noviembre 2019.\n\n\n\n\n\n\n\n  \n” “Carlos\, me llamo Carlos. Tengo 15 años\, o 16. Voy al cole\, me aburro\, salgo con los colegas al parque\, bailo hip-hop… y un día conozco a Claudia y… magia.” \nA.K.A. (Also Known As) es el fenómeno teatral de la temporada\, ganador de cuatro Premios Butaca (espectáculo de pequeño formato\, texto\, dirección y actor) y dos Premios Max (autoría revelación y actor protagonista)\, que se ha presentado en tres teatros de Barcelona\, la Sala Flyhard\, el Teatre Lliure y la Villarroel. Este monólogo habla sobre la identidad\, de la diferencia entre lo que sientes que eres y lo que deter­mina la sociedad que eres. Del dentro y el fuera. \nEscrito de un tirón por Daniel J. Meyer\, nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. Nos relata su día a día a los 15 años: el instituto\, la terapia\, el rechazo\, la rabia y el miedo\, los amigos\, el amor y el deseo\, la injusticia\, la relación con los padres… Un momento en el que\, por circunstan­cias ajenas a él\, tiemblan sus cimientos\, sus raíces\, su identidad. Y es que Carlos es adoptado… y los ojos de los demás le hacen plantear cuál es su “verdadera” identidad. \n¿Somos los que los demás ven? ¿Lo que quieren ver? ¿Lo que mostramos? ¿Lo que ocultamos? ¿Lo que emerge cuando estamos solos? \nEl público se convierte en juez\, testigo y cómplice de la evolución del protagonista\, que experimenta todos los prejuicios de la sociedad hacia el extranjero en un momento delicado para desarrollo de la personalidad. \nUna propuesta honesta\, valiente y comprometida con el lenguaje y las inquietudes de los adolescentes\, que en raras ocasiones tienen oportunidad de ver y sentir reflejado su propio universo generacional\, dirigida con mucho dinamismo por Montse Rodríguez Clusella”. \n(Texto de Teatro de La Abadía) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Best of BE Festival 2019
DESCRIPTION:Autores: Romain Teule | Anna Biczók | Paul O’Donnell.\n\nDirección: Varios.\n\nProducción: Be Festival.\n\nFechas: del 7 al 10 de noviembre 2019.\n\n\n\n\n\n\n\n  \n“BE Festival celebra en 2019 su décimo aniversario con una selección de piezas de diferentes ediciones. \nEl programa de este año reúne tres espectáculos de diferentes ediciones para celebrar su décimo aniversario. Tres propuestas que traspasan fronteras lingüísticas y entre disciplinas artísticas; poniendo a prueba los límites físicos y cuestionando convenciones sociales. \nBest of BE Festival vuelve a La Abadía con el objetivo de trasladar la experiencia del festival de Birmingham con una selección de tres espectáculos de 30 minutos cada uno\, con un descanso y un coloquio posterior\, en el que participan artistas y público. \nLee nuestra crítica de Best of BE Festival 2017 \n \nBEST OF BE FESTIVAL 2019 \nLÉGENDE \nDe: Romain Teule \nTeatro | Francia/Portugal | Inglés/Castellano con sobretítulos \nA través de una conferencia actuada sobre la naturaleza del lenguaje\, Légende expone las diferentes relaciones que generan las palabras y juega con su (mal)interpretación a través de un lenguaje ficticio. Romain Teule\, creador e intérprete\, desarrolla su trabajo entre Francia y Portugal. \nPRECEDENTE SOBRE UN FUTURO POTENCIAL \nDe: Anna Biczók \nDanza-teatro | Hungría |Inglés con sobretítulos \nEn su solo-conferencia\, Anna Biczok mezcla recuerdos\, imaginación y cambios de perspectiva para explorar la forma en la que estas sensaciones crean un fenómeno que conocemos como “experiencia”. Anna Biczok es coreógrafa e intérprete afincada en Budapest. \nWE’VE GOT EACH OTHER \nDe: Paul O’Donnell \nTeatro | Reino Unido | Inglés con sobretítulos \nUna trágica historia de amor que corta la respiración\, cargada de energía y complementada por el poder de tu imaginación\, sin orquesta\, sin plataformas elevadoras y con un único intérprete. Creada e interpretada por Paul O’Donnell\, creador\, intérprete y director\, artista asociado del REP y fundador de Shoot Festival”. \n(Texto de Teatro de La Abadía) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Artificios y leopardos
DESCRIPTION:Coreografía\, creación e interpretación: Mercedes Pedroche.\n\nProducción: La Pedroche.\n\nFechas: 13 y 14 de noviembre 2019.\n\n\nFoto de “Artificios y leopardos” / Foto: Ciro Perez\n\n\n\n\n\n\n“Una mujer\, atravesada por el Sísifo absurdo de Camus\, vive atrapada en una experiencia cíclica que la ha llevado a un punto muerto. Deambula solitaria como una hembra leopardo enjaulada\, negando credos y manadas. Incapaz ya de cargar consigo misma y consciente de su vulnerabilidad\, rastrea en su fracaso el impulso vital que le permita vivir al margen de los decorados y las creencias ficticias que impone el engranaje social. Busca la complicidad del público en una reflexión colectiva y se pregunta si queremos o podemos encontrar la libertad en la danza a la que Nietzsche tantas veces se refirió. \nArtificios y Leopardos es un encuentro escénico híbrido que transita entre el teatro y la danza. Mediante un dispositivo iterativo una mujer canaliza un experimento colectivo sobre la libertad. \nArtificios y Leopardos ha sido uno de los proyectos ganadores de la Residencia A GATAS\, impulsada por el Centro Cultural Conde Duque\, el Teatro de la Abadía y la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) y se presentará en el Teatro de la Abadía el 13 y 14 de noviembre 2019. La obra ha sido apoyada con la Ayuda a la Producción Coreográfica 2019 de la Comunidad de Madrid”. \n(Texto de Teatro de La Abadía) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:La domesticación
DESCRIPTION:Dramaturgia:  Luz Arcas y Abraham Gragera.\n\nCoreografía: Luz Arcas.\n\nDirección: Luz Arcas.\n\nDirección musical: Abraham Gragera.\n\nIntérpretes: Luz Arcas\, Marcus Matus Ramírez\, Danielle Mesquita\, Paula Montoya\, Papa de Zes\, Luz Prado (violín y electrónica)\, David Azurza (voz).\n\nCompañía: La Phármaco.\n\nFechas: del 13 al 16 de noviembre.\n\n\n\n\n\n\n\n“Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de la primera parte de Bekristen /Cristianos\, una trilogía sobre la violencia del neoliberalismo que podrá verse en la Sala Negra de los Teatros del Canal del 13 al 16 de noviembre. \n‘El neoliberalismo es un nuevo sistema de colonización: impone su programa de costumbres y creencias con una violencia radical\, y condena al cuerpo a una vida orientada a alcanzar sus modelos: su juventud\, su éxito\, su asepsia y su desterritorialización’. La bailarina y coreógrafa Luz Arcas (Finalista Mejor Intérprete de Danza en Premios Max 2017\, Premio el Ojo Crítico de Danza 2015) y el autor y dramaturgo Abraham Gragera (Premio el Ojo Crítico de Poesía 2013)\, al frente de la compañía La Phármaco desde 2009\, se acercan con estas palabras a su último trabajo Bekristen / Cristianos. Una trilogía que resulta de un proyecto iniciado en 2016 en Guinea Ecuatorial y que reflexiona sobre la compasión como necesidad humana\, trauma social y fracaso colectivo. \n \nEl estreno absoluto de La domesticación\, primer capítulo de esta trilogía\, tendrá lugar el próximo 13 de noviembre en la Sala Negra de los Teatros del Canal\, donde permanecerá en cartel hasta el 16 de noviembre. Luz Arcas\, Marcos Matus Ramírez\, Danielle Mesquita\, Paula Montoya y Papa de Zez bailan este espectáculo en el que lo individual y lo colectivo se entrelazan en una reflexión comprometida que se asoma al cuerpo como sujeto y objeto de lo político. David Azurza y Luz Prado se encargan de la interpretación musical y Celso Jiménez\, de La Tristura\, colabora en el concepto artístico. \nTras Una gran emoción política –su anterior pieza\, coproducida por el Centro Dramático Nacional y en la que la compañía indagaba sobre la guerra civil y la memoria a través de la figura de María Teresa León-\, La Phármaco se posiciona ahora sobre el neoliberalismo\, sistema al que califica de “ficción perfecta\, la aplicación impecable de la verosimilitud aristotélica”. Así\, en La domesticación\, “unos cuerpos compiten por alcanzar el modelo que les salve de su propio cuerpo: del hambre\, la muerte\, el miedo\, la memoria o la enfermedad. Cuerpos convencidos de que deben convertirse en ‘verosímiles’ y diluirse en el estilo internacional a cambio de sufrir la más actual de las tragedias: la conciencia de protagonizar una cotidianidad construida a base de gestos que destruyen el mundo”. “. \n(Texto de Teatros del Canal) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Los limones\, la nieve y todo lo demás
DESCRIPTION:Creación:  Mónica García y Ana Vallés.\n\nIntérpretes: Mónica García y Ana Vallés.\n\nFechas: 20 y 21 de noviembre 2019.\n\n\nUna escena del montaje / Foto: Edición Rusa\n\n\n\n\n\n\n“Se dice del teatro de Matarile que ‘requiere de un espectador libre de prejuicios’. Quizás porque la primera compañía de teatro contemporáneo de Galicia\, con más de 30 años de trayectoria\, encontró en la vanguardia\, la proximidad y la innovación los motores de su acción escénica. En el año 2000\, Ana Vallés\, cofundadora de la compañía\, actriz y directora\, y Mónica García\, bailarina y coreógrafa\, se conocieron durante el proceso creativo de Fine Romance de Provisional Danza. Y un proceso llevó a otro. Desde 2007 trabajaron juntas en Matarile y\, tras años deseando sumar en un dúo\, surgió Los limones\, la nieve y todo lo demás. \nSobre un escenario minimalista\, dos cuerpos\, los de Ana Vallés y Mónica García\, irrumpen sobre las tablas para encontrarse y fusionarse sobre un poema escénico sin apoyo textual. Las referencias a Roberto Bolaño\, Friedrich Nietzsche\, Slavoj Žižek o Henry David Thoreau inundan una creación atravesada desde su inicio por los Sweet Dreams de Eurythmics\, en la que todos los elementos responden\, al unísono\, al vaivén y el contacto de sus cuerpos. \n“La tentación de dejarlo todo y largarnos corriendo a otro lugar.\nEl deseo persistente de atravesar la fantasía y los hechos reales\nde nuestros personajes inventados.\nQuizás\, por evitar el regreso\, dilatamos la partida\,\ny mientras tanto\, escuchamos las palabras del loco\no abrazamos la belleza\, con mala conciencia.\nDisfrutemos de este día perfecto”\, \ndice Matarile de Los limones\, la nieve y todo lo demás. \nEl 37º Festival de Otoño será testigo este noviembre del talento y el discurso no verbal de dos creadoras únicas. En palabras de la critica: “hay una manera carnal y frutal de agarrarse una a la otra y de tantear las posibilidades de danzar y avanzar juntas” (Afonso Becerra\, Artezblai). “El teatro se escribe en el escenario\, con los cuerpos atravesados por el espacio\, desapareciendo en él o haciéndose uno”\, sentencia Ana Vallés”. \n(Texto de Teatro de Festival de Otoño) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Requiem pour L.
DESCRIPTION:Dirección:  Alain Platel.\n\nDramaturgia: Hildegard De Vuyst.\n\nMúsica: Fabrizio Cassol\, a partir del Requiem de W. A. Mozart.\n\nIntérpretes: Rodriguez Vangama (guitarra y bajo eléctrico)\, Boule Mpanya\, Fredy Massamba y Russell Thsiebua (voces)\, Nobulumko Mngxekeza\, Owen Metsileng y Stephen Diaz / Rodrigo Ferreira (voces líricas)\, Joao Barradas (acordeón)\, Kojack Kossakamvwe (guitarra eléctrica)\, Niels Van Heertum (bombardino)\, Bouton Kalanda\, Erick Ngoya y Silva Makengo (likembe) y Michel Seba (percusión).\n\nFechas: 21 y 22 de noviembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Lucie\, una activista defensora de la muerte digna\, afronta sus últimos momentos de vida tras conocer que padece una enfermedad incurable. Admiradora del trabajo de Alain Platel\, decide que el celebrado coreógrafo y director de teatro grabe sus últimos días como un nuevo gesto\, íntimo y radical\, a favor de la legalización de la eutanasia. \nEl 37º Festival de Otoño acoge la nueva colaboración entre el creador de les ballets C de la B\, Alain Platel\, y el compositor Fabrizio Cassol\, cuya creatividad confluye en un extraordinario espectáculo de música y danza que\, a partir de la mezcla de culturas\, crean un nuevo universo\, como ya demosatraran en sus anteriores colaboraciones: VSPRS (2006\, inspirada en El Vespro della Beata Vergine\, de Monteverdi)\, Pitié! (2008\, que toma como referencia La pasión según San Mateo\, de Bach) o Coup Fatal (2014). \nEn Requiem pour L.\, Platel y Cassol indagan en la muerte y los rituales funerarios que se celebran alrededor del mundo tomando como punto de partida una de las composiciones musicales fúnebres más reconocidas\, el Réquiem en re menor de Mozart. Cassol reinterpreta esta misa de difuntos a través de la influencia ecléctica de géneros como el jazz\, la ópera o la música africana. Sobre el escenario\, 14 músicos de todo el mundo\, acompañados de cinco hileras de tumbas de distinto tamaño\, fusionan los diferentes estilos con el Réquiem\, creando un nuevo universo sonoro. En la pantalla\, en blanco y negro\, se proyecta el tránsito de Lucie para acabar\, voluntariamente\, con su vida. Con verdadera delicadeza\, de forma poética\, pero también contundente\, sin ocultar toda su crudeza. \nRequiem pour L. es un brillante y conmovedor ejercicio artístico que\, mediante una nueva interpretación musical\, física y visual\, abre la posibilidad de generar debate en el fuero interno del espectador\, quien asiste\, desde el patio de butacas\, a la recreación de los últimos días de Lucie confrontados con la celebración de la muerte\, a través de la luminosidad y vitalidad que acompaña la música de ritmos africanos. Al fin y al cabo\, tal y como afirma Platel\, “Requiem pour L. es una celebración de la vida”. \nFundada por Alain Platel en 1984\, les ballets C de la B es una de las compañías más afamadas de la escena contemporánea internacional. Fiel a los principios que marcaron sus orígenes\, en la formación belga confluyen artistas con disciplinas y antecedentes diversos en un dinámico proceso creativo\, cuyo resultado es una mezcla única de diferentes visiones artísticas\, que es anárquica\, ecléctica\, popular y comprometida al mismo tiempo. Su lema: “nuestro baile es para el mundo y el mundo es para todos”. \n(Texto de Teatro de Festival de Otoño) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Daimon y la jodida lógica
DESCRIPTION:Textos:  Ana Vallés\, con otros textos de Robert Burton\, Ives Bonnefoy\, Giuseppe Adami\, Charles Baudelaire\, Cristina Hernández\, Ricardo Santana Celeste\, Neus Villà Jürgens yAna Cotoré.\n\nDirección: Ana Vallés.\n\nCoreografías: Ana Cotoré\, Ricardo Santana\, Nuria Sotelo\, Celeste\, Cristina Hernández Cruz\, Neus Villà Jürgens\, Jorge de Arcos Pozo\, Alba Loureiro y Ana Vallés.\n\nIntérpretes: Ricardo Santana\, Nuria Sotelo\, Celeste\, Alba Loureiro\, Cristina Hernández Cruz\, Nacho Sanz\, Jorge de Arcos Pozo\, Neus Villà Jürgens y Ana Cotoré.\n\nCompañía: Matarile Teatro.\n\nFechas: 23 y 24 de noviembre 2019.\n\n\n\n\n\n\n\n  \n“Matarile Teatro lleva la friolera de tres décadas creando vanguardia sobre las tablas. Pionera de un teatro innovador en España\, es un referente indiscutible de nuestra escena contemporánea. Su teatro provoca el milagro por el que el espectador se siente partícipe de algo único e irrepetible. Matarile no busca espectadores\, sino interlocutores. Como volverá a demostrar una vez más con la puesta en escena de su nueva creación\, DAIMON y la jodida lógica\, que podrá verse en noviembre en Madrid en el marco del 37º Festival de otoño\, tras su estreno absoluto el 6 de septiembre de 2019 en la Sala Ártika de Vigo. \nEl DAIMON\, como el teatro de Matarile\, puede adquirir distintos significados en función del contexto en el que se sitúe. Para la creadora Ana Vallés\, esta figura mitológica de la cultura griega o romana es\, desde su perspectiva\, “el destino\, la voz de la conciencia\, la intuición\, un ángel o un demonio\, el rumoreo de la voz interior que detiene o empuja. Una presencia oculta\, imprevisible\, que determina actos y decisiones que no podemos explicar racionalmente”. \nDAIMON y la jodida lógica se presentará en el Teatro de La Abadía con un equipo de 14 personas\, dos de ellas incorporadas a través de convocatorias públicas en el Centro de Danza de Zaragoza y el Azkuna Zentroa de Bilbao. Actores\, músicos y bailarines forman parte de un montaje que supone el regreso de Matarile Teatro al gran formato\, a la música original con la presencia\, en escena\, de sus autores\, y a la imposibilidad de otorgar una única etiqueta que defina el trabajo de la compañía gallega de vanguardia en sus 30 años de trayectoria. \n“Me interesa el DAIMON\, que también es yo\, nuestro yo incomprensible\, una parte de nosotros que conecta con lo irracional\, con el misterio\, con lo fantástico; una puerta a lo extraordinario\, a lo que nos salva\, a lo sublime o a la locura”\, explica Vallés. Y sentencia: “Digamos que esta mujer no es feliz\, nunca lo fue. Digamos lo que fue hallado dentro de un armario\, en el ropero. Hablemos de pelucas conviviendo con ensayos de filosofía. Hablemos de desayunos\, de cigarrillos\, de manos\, de refugios\, quizás del gato\, de aquella voz; de las cosas que importan”. \n(Texto de Teatro de La Abadía) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:The Door
DESCRIPTION:Autor\, director y coreógrafo: Jo Strømgren.\n\nIntérpretes: Diana Anevičiūtė\, Rytis Saladžius\, Ugnė Šiaučiūnaitė\, Žygimantė Jakštaitė\, Rasa Samuolytė\, Rimantė Valiukaitė\, Augustė Pociūtė y Mantas Stabačinskas.\n\nProducción: Jo Strømgren Kompani / Lithuanian Natinal Drama Theatre.\n\nFechas: 23 y 24 de noviembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“En Europa –una masa de tierra dividida por fronteras\, idiomas\, religiones y barreras geográficas– el fenómeno de la migración siempre ha existido. Es una forma de sobrevivir y una forma de rebelarse\, una posibilidad de comenzar de nuevo\, pero también de quemar los puentes y dejar todo atrás. Escrito\, coreografiado y dirigido por el artista sueco Jo Strømgren\, The Door viaja a través de diferentes períodos históricos y regiones europeas para descubrir\, en una combinación de movimiento y danza\, los patrones que han marcado los movimientos migratorios de nuestro continente\, de nación a nación. \nStrømgren es uno de los directores y coreógrafos más rompedores de Noruega. Ha desarrollado su carrera tanto en los ballets clásicos como en la danza contemporánea\, así como en la dirección de escena de obras de Shakespeare\, Kafka y\, más especialmente\, su compatriota Ibsen. En 1998 fundó la Jo Strømgren Kompani\, con la que ha firmado más de veinte montajes\, en los que siempre sobresalen el extenuante trabajo físico de los intérpretes\, el humor absurdo y la conexión directa con el espectador. \nEl Lithuanian National Drama Theatre siempre ha sido uno de los principales aliados de Strømgren desde la formación de su compañía hace veinte años. Pero nunca hasta ahora había invitado al director y coreógrafo a colaborar con actores nacionales. El resultado es The Door\, ganador de cuatro premios Golden Stage Cross\, un espectáculo que establece un nexo muy particular entre la danza y el teatro\, con una percepción muy nostálgica de la cultura del Este de Europa y que destaca por su sutileza\, los golpes de humor y el galimatías en el que hablan sus actores\, un lenguaje inventado pero que fonéticamente comparte semejanza con los idiomas de Europa del Este. \n“Como seres humanos\, siempre estamos confinados a espacios dados. A nuestra casa\, a nuestra escuela\, a nuestro lugar de trabajo\, a nuestro país\, al tipo de restaurantes que podemos permitirnos\, a la persona que amamos o fingimos amar. Es maravilloso pertenecer a algún lugar\, especialmente si nuestro vecino no puede pagarse un restaurante en absoluto. Tales cosas nos hacen sonreír. Pero cuando un día el vecino llega a casa con una canoa en el techo de su coche\, inmediatamente nos sentimos deprimidos. Y cuando detectamos esa sonrisa en particular\, definitivamente queremos una canoa. Incluso si odiamos la naturaleza”\, cuenta el director. \nThe Door quiere ser un retrato –a veces ingenuo– de los aspectos más destructivos y decepcionantes del ser humano a través de un grupo de personas separadas por una pared. Como del otro lado todo parece siempre más interesante\, una estrecha puerta se convierte en el umbral que determina el cambio. Pero uno nunca está satisfecho con lo que tiene y la búsqueda de ese “algo mejor” se convertirá en una búsqueda interminable. “¿Somos individuos de espíritu libre\, tal vez incluso encantadores y creativos\, o simplemente estamos encadenados a nuestro comportamiento como si fuéramos perros de Pavlov?”\, sentencia Strømgren”. \n\n (Texto de Festival de Otoño)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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LOCATION:El Pavón Teatro Kamikaze\, C/ Embajadores\, 9\, Madrid
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SUMMARY:On Goldberg Variations / Variations
DESCRIPTION:Creación e interpretación: Jordi Casanovas\, María Muñoz\, Zuriñe Benavente\, Pep Ramis\, Federica Porello\, Enric Fàbregas y Zoltan Vakulya.\n\nDirección: María Muñoz y Pep Ramis.\n\nMúsica: Goldberg Variations / Variations\, de Dan Tepfer\, sobre las Variaciones Goldberg\, de J.S. Bach.\n\nProducción: Mal Pelo\, Teatre Nacional de Catalunya\, Dansa Quinzena Metropolitana de Barcelona e Icec-Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.\n\nFechas: 26 y 27 de noviembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“La compañía de danza catalana Mal Pelo lleva 30 años investigando y creando un lenguaje propio. Su relación personal con la obra del compositor alemán Johann S. Bach comenzó con BACH\, el espectáculo que en 2004 mostró por todo el mundo. Una primera piedra como parte de un proceso de inmersión completo y profundo –Bach Project– alrededor del genio barroco que la troupe prevé culminar en 2021. \nEntre medias\, este 2019 estrena On Goldberg Variations / Variations\, donde Mal Pelo continúa dialogando con las diferentes vertientes de uno de los tótems indiscutibles de la música clásica. “No está ahí solo la técnica\, sino una inmersión en el sentimiento\, una búsqueda de lo que hay más allá de la estructura y de la forma”\, manifiesta Pep Ramis\, cofundador de la compañía junto a María Muñoz. \nConcretamente\, Las variaciones Goldberg es una composición musical para piano ideada por Bach en 1741\, formada por un tema único\, aria\, treinta variaciones y un reprise del aria. Lo que las liga a todas ellas no es una melodía común\, sino un fondo de variaciones armónicas. A su vez\, el compositor e intérprete franco-americano Dan Tepfer (París\, 1982) sugiere las Variaciones Goldberg combinadas con sus propias variaciones improvisadas. Una propuesta manifestada en 2011en forma de trabajo discográfico: Goldberg Variations / Variations. \nEl desafío de Mal Pelo en On Goldberg Variations / Variations se basa\, precisamente\, la reinterpretación de Dan Tepfer: “Queremos dar un paso más en la búsqueda a partir de la música de Bach transportada a la creación coreográfica”. \nA partir del estudio de la música barroca y la relación con el movimiento\, el espacio y la dramaturgia coreográfica\, la compañía catalana sigue indagando en planos no revelados hasta el momento. De este modo\, Bach Project es el paraguas que acogerá la investigación durante tres años de un trabajo multifocal sobre el movimiento y la obra del compositor alemán. \nMal Pelo nace en 1989 de la mano del director de escena\, bailarín y actor Pep Ramis (Manacor\, 1962) y de la coreógrafa y bailarina María Muñoz (Valencia\, 1963). El tándem ha presentado\, entre otros espectáculos: Quarere (1989)\, Sur\, Perros del sur (1992)\, La calle del imaginero (1996)\, Orache (1998)\, L’animal a l’esquena (2001)\, An el silenci (2003)\, BACH (2004)\, Todos los nombres (2010)\, Caín & Caín (2011)\, La esperanza de vida de una liebre (2013)\, El quinto invierno (2015) y The Mountain\, the Truth and the Paradise (2017). \nLa compañía catalana ha recibido también diferentes reconocimientos\, como el Premio Nacional de Danza 2009\, el Premi Ciutat de Barcelona 2017 de danza o el Premio de la Crítica Barcelona 2018 al espectáculo Bach. \nAdemás\, en 2001\, Pep Ramis y María Muñoz impulsan L’animal a l’esquena\, un centro de creación e intercambio multidisciplinar en una masía en Celrà (Girona)\, donde se fomenta la experimentación y el intercambio de ideas entre directores de escena\, músicos\, videoartistas\, teóricos y bailarines”. \n\n (Texto de Festival de Otoño)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Orestes in Mosul
DESCRIPTION:Texto: Milo Rau y la compañía.\n\nDirección: Milo Rau.\n\nIntérpretes: Susana Abdul Majid\, Duraid Abbas Ghaieb\, Bert Luppes\, Elsie de Brauw\, Marijke Pinoy y Johan Leysen.\n\nProducción: NTGent.\n\nFechas: 30 de noviembre y 1 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n“El suizo Milo Rau\, actual director artístico del NTGent de Bélgica\, se ha convertido en uno de los artistas más aclamados y polémicos del teatro europeo por sus montajes marcadamente políticos. Para muchos críticos\, es el más influyente\, ambicioso e interesante director de su generación y\, entre otros galardones\, ha recibido el Premio Europeo de Teatro en 2018. Rau es un agitador en el que confluyen las figuras de periodista\, profesor\, dramaturgo\, director y fundador del International Institute of Political Murder\, colectivo artístico centrado en explorar e investigar nuevas formas de arte político con más de cincuenta obras de teatro\, películas\, libros\, exposiciones y acciones artísticas en su trayectoria. \nDesde la irrupción en 2009 de su obra The Last Days of the Ceausescus\, sobre el juicio y la ejecución del líder comunista de Rumanía y su esposa\, el nombre de Rau ha ido unido al de la controversia. A través del teatro\, ha denunciado la corrupción política\, la homofobia\, el fanatismo\, la violencia\, las torturas o el abuso de poder\, granjeándose importantes enemigos y batallas judiciales. Pero\, siguiendo la máxima de que el teatro debe cambiar el mundo\, no retratarlo\, sus montajes también han servido para depurar responsabilidades. Es persona non grata en Rusia por enseñar en una de sus obras la represión a la que fue sometido el grupo de punk femenino Pussy Riot y\, gracias a The Congo Tribunal\, en la que denunciaba la complicidad de la industria minera con las masacres relacionadas con la extracción del coltán\, forzó la dimisión de dos ministros del país africano. \nCuando en 2018 fue nombrado director del NTGent\, Rau hizo públicos los puntos del manifiesto por el que se regiría su proyecto artístico. Entre ellos\, el que exige que al menos una producción por temporada debe ensayarse o representarse en una zona de guerra. Un intento de llevar la maquinaria teatral allá donde realmente se necesita. \nEn ese contexto surge Orestes in Mosul\, que traslada la Orestíada al paisaje devastado de Mosul\, en el norte de Irak\, antigua capital del Estado Islámico\, trazando un paralelismo –sin adornos\, casi con vocación periodística–\, entre la Troya arrasada y el Mosul destrozado; entre Agamenón\, que sacrificó a su hija Ifigenia para ganar la guerra\, y las mujeres\, niños\, homosexuales y civiles que fueron asesinados por los combatientes del Estado Islámico. Estrenada en Mosul en marzo de 2019\, con dramaturgia de Stefan Bläske y un elenco internacional de actores iraquíes y europeos\, Orestes In Mosul nos presenta una Orestíada para nuestro tiempo con la que demostrar que los ecos de la sangrienta tragedia de Esquilo\, considerada uno de los mitos fundacionales de la civilización occidental\, aún resuenan hoy en día”. \n\n\n (Texto de Festival de Otoño)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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CATEGORIES:Danza,Performance/Artes vivas
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