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SUMMARY:Ultimatum
DESCRIPTION:Director y coreógrafo: Jacopo Godani.\n\nMúsica: extractos de las Suites para violonchelo solo de J.S. Bach\, interpretadas por Jan Vogler.\n\nIntérpretes: Roberta Inghilterra\, Anne Jung\, Barbora Kubátová\, Amanda Lana\, Zoe Lenzi Allaria\, Viktoria Nowak y Carola Sicheri\, Felix Berning\, Kevin Beyer\, Tamàs Darai\, Vincenzo De Rosa\, Clay Koonar\, Michael Ostenrath\, David Leonidas Thiel\, Tars Vandebeek y Samuel Young-Wright.\n\nProducción: Dresden Frankfurt Dance Company.\n\nFechas: 3 y 4 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Con Ultimatum\, Jacopo Godani persigue su gran pasión: las infinitas posibilidades de metamorfosis dentro de su obra artística. En esta ocasión\, el lenguaje coreográfico del creador ha sido liberado y se encuentra fuera de cualquier parámetro conocido. Ultimatum es la apertura a una nueva percepción performativa. \nEl coreógrafo italiano concibe geografías que contienen cimientos escondidos. El escenario se transforma en un paisaje futurístico donde el reino de la realidad está en suspenso y alterado por lo inesperado. El artista dota a la audiencia de un espacio estético-artístico donde explorar un territorio desconocido\, el cual aún no ha sido cartografiado y donde la coreografía se desliza y fluye entre los diferentes planos de la realidad. \nLa práctica coreográfica de Godani se acerca a las acciones artísticas de una manera reflexiva y consciente y esa es la belleza de la presencia escénica de la compañía: el compromiso en sus acciones. Cuerpos con características animalescas crean un universo de extrañas criaturas. Animales\, mitad humanos\, mitad insectos\, habitan el espacio escénico mientras\, al mismo tiempo\, nace una forma de comunicación innovadora entre los intérpretes. La conversación coreográfica surge cuando la extraña mirada\, los gestos\, las paradas\, las pausas y las acciones no completadas crean un lenguaje común entre todas estas criaturas. Los silencios también presentes en Ultimatum\, generan una sensación de descoyuntamiento: no solo el espacio está dislocado\, sino que también lo está el tiempo escénico. \nLas expresiones físicas en el trabajo artístico de Godani son reveladoras y públicas\, aunque\, al mismo tiempo\, internas y profundamente privadas. Cada gesto\, cada logro coreográfico\, contienen la elocuencia y la belleza de una poesía abstracta y se convierten en un destino en sí mismos. Los intérpretes se transforman en figuras llenas de pasión que\, junto con el coreógrafo\, tratan de evocar impetuosamente todo lo indescifrable. \nEn Ultimatum\, todos los elementos artísticos forman parte de un diálogo transparente y puro. La sobriedad es el fiel reflejo de la búsqueda coreográfica de Godani\, búsqueda mediante la que intenta hallar la naturaleza definitiva de dichos elementos: una narrativa abstracta libre de cualquier atadura dramática”. \n\n (Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Juana
DESCRIPTION:Dirección artística y coreografía: Chevy Muraday. \nIntérpretes: Carlos Beluga\, Chevi Muraday\, Aitana Sánchez-Gijón\, Maximiliano Sanford\, Alberto Velasco.  \nProducción: Losdedae y Teatro Español. \nFechas: del 4 al 22 de diciembre 2019.  \n \n“Hay un tiempo humano y un tiempo salvaje”. Atravesando los bosques de la memoria encontramos a una mujer\, a muchas mujeres\, unidas por un mismo nombre\, que se preguntan incesantemente si hay un destino femenino en la Tierra. Como eco de su propio eco\, en un viaje no cronológico pero sí vivido\, la Papisa Juana viste ropajes masculinos y da a luz en medio de una multitud enloquecida que alberga sueños de lapidación; Juana de Arco triunfa en el campo de batalla y sufre el interrogatorio del inquisidor que planea quemarla en la hoguera; Juana la Loca hunde sus manos en el inerte corazón de Felipe el Hermoso; Sor Juana Inés de la Cruz desea en clave poética a la virreina y Juana Doña visita el paredón en el que su marido es fusilado mientras pronuncia sus últimas palabras de amor. Los vestigios de un legado que retumba una y otra vez en los\, a menudo\, sordos oídos del presente. \nLa última creación de Losdedae explora los ciclos del mundo\, la naturaleza salvaje y profunda de la mujer\, el camino de vuelta a casa. ‘Porque Juana merece sentir en sus manos indagadoras el nervio vivo y trémulo del hoy'”. \n(Texto de Teatro Español) \n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:ASEM Cultural Festival. Asia & Europe
DESCRIPTION:Fechas: del 6 al 15 de diciembre 2019.\n\n\nBetween Tiny Cities\, រវាងទីក្រុងតូច by Nick Power\, en ASEM\n\n\n\n\n\n\n“Asia & Europa: las Culturas Conectan es el eslogan de la tercera edición del Festival Cultural ASEM\, un festival multidisciplinar que del 11 al 15 de diciembre reunirá en Madrid a más de 40 artistas europeos y asiáticos que mostrarán la riqueza de su creatividad cultural y artística por medio de la música\, la danza y el arte digital. En Bruselas tendrá lugar el 6 de diciembre. \nSeis espectáculos gratuitos de música y danza\, talleres con artistas\, encuentros con el público\, una exposición sobre realidad virtual y otra sobre el Año Cultural ASEAN 2019\, componen la programación que tendrá lugar en diferentes espacios del centro de la capital: Círculo de Bellas Artes\, Centro Cultural Conde Duque\, Centro Cultural Nicolás Salmerón\, CentroCentro\, Casa de Vacas y Centro Casia Asia Madrid”. \n\n  \nPROGRAMACIÓN: \n\n\n06 diciembre. Palais des Beaux-Arts. Center for Fine Arts – Bruselas\n\nNguyên Lê “Saiyuki” & Friends (Música) \n\n\n\n\n\n11 diciembre – 13 diciembre. Centro Casa Asia Madrid – Auditorio\n\n“Una exploración al arte asiático y europeo (Actividad de Realidad Virtual) \n\n11 diciembre – 13 diciembre. Centro Casa Asia Madrid – Auditorio\n\n“Explorando el sudeste asiático: Año Cultural de la ASEAN 2019” (Exposición ). \n\n11 diciembre. Círculo de Bellas Artes – Teatro Fernando de Rojas\n\nNguyên Lê “Saiyuki” & Friends (Música) \n\n12 diciembre. Centro Cultural Conde Duque (Salón de Actos)\n\nKIZUNA: Fuyuki Enokido con Kaho Aso y José María Gallardo (Música) \n\n13 diciembre. Centro Casa Asia Madrid\n\nTaller con Fuyuki Enokido y Kaho Aso (Taller/Música) \n\n13 diciembre. Centro Cultural Nicolás Salmerón.\n\nRasa y Duende. Lorca\, Flamenco y la India (Danza) \n\n14 diciembre. Centro Cultural Nicolás Salmerón.\n\nBetween Tiny Cities រវាងទីក្រុងតូច with the hip hop b* boys (Taller/Danza) \n\n14 diciembre. CentroCentro – Auditorio Caja de Música.\n\nPOONG RYU by Gukak E_sang & Yunmyunghwa Dance Company (Danza) \n\n15 diciembre. Parque del Retiro – Centro Cultural Casa de Vacas\n\nTaller con músicos indios (Taller/Música) \n\n\n15 diciembre. Círculo de Bellas Artes Madrid – Sala de columnas\n\nBETWEEN TINY CITIES រវាងទីក្រុងតូច by Nick Power (Danza\, hip-hop y breakdance) \n\n15 diciembre. CentroCentro – Auditorio Caja de Música.\n\n\nRudraksham – Un grupo único de percusión y cuerdas (Música) \n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Autobiography
DESCRIPTION:Concepto y director: Wayne McGregor.\n\nCoreografía: Wayne McGregor y los bailarines.\n\nMúsica: Jlin.\n\nIntérpretes: Rebecca Bassett-Graham\, Jordan James Bridge\, Travis Clausen-Knight\, Louis McMiller\, Daniela Neugebauer\, Jacob O’Connell\, James Pett\, Fukiko Takase\, Po-Lin Tung y Jessica Wright (bailarines originales).\n\nProducción: Sadler’s Wells\, Les Théâtres de la Ville\, Edinburgh International Festival\, Festspielhaus St Pölten\, Carolina Performing Arts de la University of North Carolina – Chapel Hill y Movimentos Festwochen der Autostadt in Wolfsburg.\n\nFechas: 6 y 7 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Wayne McGregor transforma en danza la historia de su vida en un espectáculo hipnótico e inimitable basado en su propio código genético”. Así define The Guardian Autobiography\, una pieza hipnótica e inimitable con la que el prestigioso coreógrafo británico Wayne McGregor visita por primera vez el Festival Internacional Madrid en Danza. Mundialmente ovacionado por la innovación y la radicalidad de sus propuestas de danza contemporánea\, que han redefinido la danza en la era moderna durante los últimos 25 años\, McGregor se interroga sobre la vida a través de la experiencia del propio cuerpo. En Autobiography\, el inigualable creador dirige su atención al cuerpo como archivo\, para poner en pie un retrato dancístico ilunimado por la secuencia de su propio genoma. Sobre las tablas\, el espectáculo se reinventa constantemente y\, así\, el orden de las piezas de baile ensembladas algorítmicamente a partir de una colección de 23 volúmenes coreográficos se desarrolla de una forma única en cada actuación. \nJunto a McGregor\, se da cita una impresionante troupe de colaboradores: el productor\, músico y genio de la electrónica Jlin\, el artista visual Ben Cullen-Williams\, la diseñadora de iluminación Lucy Carter\, el artista y diseñador de vestuario Aitor Throup y la dramaturga Uzma Hameed. El algoritmo de Autobiography que determina el devenir del espectáculo y su orden ha sido desarrollado\, asimismo\, en colaboración con Nick Rothwell”. \n\n (Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Trecandís\, pasiones de Gaudí
DESCRIPTION:Idea original y dirección: Cristian Lozano.\n\nCoreografía: Eva Yerbabuena\, Rubén Olmo\,Tamara López y Cristian Lozano.\n\nIntérpretes: Cristian Lozano (bailarín)\, Tamara López (bailarina)\, Tino Van der Sman (guitarra flamenca y eléctrica)\, Cristian de Moret (piano\, bajo y cante)\, Raúl Botella (percusión) y un artista Invitado (cantaor).\n\nFechas: 7 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Bailarín flamenco\, coreógrafo y director\, Cristian Lozano se embarca en su propia compañía en 2018\, con la idea de explorar nuevos campos y estrenarse en su faceta de director. Su primera creación\, Trecandís\, pasiones de Gaudí\,  cuyo estreno absoluto tuvo lugar en el ciclo “Sin fronteras” del pasado Festival de Jerez\, podrá verse este mes de diciembre en el marco del 34º Festival Internacional Madrid en Danza. \nEn Trecandís\, pasiones de Gaudí\, Cristian Lozano ofrece visión personal de la vida y de la obra del extraordinario arquitecto\, utilizando el lenguaje del flamenco y de la danza estilizada y contemporánea\, apoyándose en el simbolismo gaudiniano y en el modernismo\, a través de su música y de su poesía\, y sustentándose en aquellos elementos que Gaudí amó y que animaron su talento y su vida. \nEl hilo conductor de Trecandís\, pasiones de Gaudí son las cuatro grandes pasiones del genio: Cataluña y el Mediterráneo\, la naturaleza\, la arquitectura y la religión\, personificada en la figura de la Virgen María. En palabras del propio bailarín\, coreógrafo y director de la pieza: \n“Quisiera acercar al espectador la figura del ciudadano Gaudí\, la personalidad y el día a día de este genio que despertó en mí una gran curiosidad desde niño. Con la austeridad y la sencillez que caracterizaron su vida y desde el más absoluto respeto a su colosal obra\, la cual resulta imposible plasmar en toda su grandeza. \nLos poemas de Maragall y de Verdaguer y las composiciones de Bach y de Granados están también presentes. Y es que todos ellos fueron figuras imprescindibles en la vida de Gaudí. Cants de batre o Cantes de trilla\,  danzas folclóricas catalanas pasadas por el filtro del flamenco\, o citas célebres del arquitecto que marcan el sendero son\, entre otros\, los recursos que como un trovador utilizaré para compartir con ustedes mi visión personal y el día a día del que es\, sin duda\, una de las personalidades más grandes de nuestro arte y nuestra cultura”. \n\n (Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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LOCATION:Real Coliseo de Carlos III (San Lorenzo de El Escorial)\, Calle Floridablanca\, nº 20\, San Lorenzo de El Escorial\, Madrid\, 280200\, España
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SUMMARY:CARMEN. Maquia
DESCRIPTION:Dirección: Gustavo Ramírez Sansano y Verónica García Moscardó.\n\nCoreografía: Gustavo Ramírez Sansano.\n\nIntérpretes: Diana Huertas\, Itxasai Mediavilla\, Jure Gostincar\, Melanie López\, Salvador Rocher\, Esaúl Llopis\, Jozsef Forró\, Juliette Jean\, Marie Pastorelli\, Melodía García\, Ángela Waidele\, Mauricio Pérez y Marta Pomar.\n\nCompañía: Titoyaya Danza.\n\nFechas: 8 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“CARMEN.maquia es una versión contemporánea del clásico de Prosper Mérimée Carmen\, que mantiene íntegro su argumento. Calificada por el Chicago Sun como una obra maestra\, esta creación de gran formato para 13 intérpretes fue la pieza culminante del director y coreógrafo Gustavo Ramírez al frente de la compañía norteamericana Luna Negra\, que dirigió entre 2009 y 2013 en Chicago. Estrenada en 2012\, CARMEN.maquia se ha convertido en un espectáculo de referencia que otras formaciones de prestigio como el Ballet Hispánico (NY) o el Ballet Met (Columbus) han incluido en su repertorio. La obra llega este 2019 al 34º Festival Internacional Madrid en Danza de la mano de Gustavo Ramírez y su compañía Titoyaya Dansa. \nPara poner en pie esta CARMEN.maquia que en el mes de diciembre llegará a los escenarios madrileños de la mano de 34º Festival Internacional Madrid en Danza se han reunido tres prestigiosos creadores: Gustavo Ramírez\, responsable de la dirección y creación coreográfica; el diseñador David Delfín\, en uno de sus últimos trabajos para la danza; y Luis Crespo\, como escenógrafo habitual de la compañía Titoyaya Dansa. \nDos obras de Picasso en relación a la Carmen de Mérimée –Carmen (1949) y Le Carmen des Carmen (1964)- han servido de inspiración para la escenografía minimalista y\, también\, para la elegancia y la sobriedad que inspiran el vestuario ideado por David Delfín. Un trabajo en blanco y negro está muy presente en la escena y la define de principio a fin. \nLa compañía valenciana Titoyaya Dansa saca a escena a una mujer fuerte y segura de sí misma\, que se atreve a ser libre en una sociedad dominada por el patriarcado. “Abogamos por la vigencia de la mujer que escoge su destino y nadie la castiga por ello”\, declara Verónica García\, directora junto a Gustavo Ramírez de este espectáculo de danza contemporánea. \nTitoyaya Dansa nace con la idea de ser una plataforma para la creación desde un punto de vista completamente libre\, que entiende la danza como un proceso y se enfrenta a cada nueva creación sin ningún tipo de condicionante. Desde 2006 se dedica a la producción de trabajos coreográficos de medio y gran formato\, siempre bajo las premisas de calidad artística y rigor técnico que tanto caracterizan a su fundador\, Gustavo Ramírez\, quien muestra su faceta más personal e íntima a través de Titoyaya Dansa. Sus ballets se han mostrado en España\, Europa y Estados Unidos. En 2017\, la compañía valenciana visitó Madrid en Danza con La metamorfosis\, una pieza creada a partir de la famosa obra de Franz Kafka”. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:El Cascanueces
DESCRIPTION:Música:  Pyotr Il’yich Tchaikovsky .\n\nCoreografía y dirección escénica: José Carlos Martínez.\n\nDirector de orquesta: Manuel Coves.\n\nProducción: Compañía Nacional de Danza.\n\nFechas: del 10 al 22 de diciembre 2019.\n\n\n\n\n\n\n\n\n“Lo consciente y lo inconsciente se dan la mano en esta nueva producción de El Cascanueces\, con la que la Compañía Nacional de Danza abraza los mundos infantil y adulto como si se tratase de vasos comunicantes en los que realidad y fantasía aparecen íntimamente entrelazadas. \nTras ocho años de trabajo y el éxito conseguido con Don Quijote\, nuestra primera producción clásica desde hace 25 años\, la Compañía Nacional de Danza vuelve a poner en escena otro de los grandes títulos del repertorio clásico\, El Cascanueces. Basado en el libreto de Marius Petipa\, inspirado a su vez en el cuento de E.T.A Hoffmann\, (adaptado por Alexandre Dumas)\, este cuento para niños y adultos flota entre dos mundos: los sueños y la realidad\, lo consciente y lo inconsciente\, la infancia y la edad adulta. Hemos situado la acción en la época de 1910\, acentuando el contraste entre el realismo burgués de una fiesta familiar\, y el imaginario de Clara\, donde cohabitan sus deseos con sus miedos\, imágenes maravillosas con otras mucho más inquietantes o fantásticas. La estrecha frontera entre el mundo real y el de la fantasía permite transportar al espectador a un universo mágico por el que viajará a través de los recuerdos de su propia historia”. \nEsta producción\, estrenada por la Compañía Nacional de Danza de España en el Baluarte de Pamplona\, el 26 de octubre de 2018\, celebra con su estreno en Madrid los 40 años de la Compañía. \n(Texto de José Carlos Martínez para CND) \n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Holland & Le Chat Noir
DESCRIPTION:Dirección: Gustavo Ramírez Sansano y Verónica García Moscardó.\n\nCoreografía: Ed Wubbe.\n\nMúsica: Kimmo Pohjonen\, Eric Echampard y Fabian Smit (armonio\, interpretado en vivo)\, Jacques Brel\, Edith Piaf y Jacques Offenbach.\n\nCompañía: Scapino Ballet Rotterdam.\n\nFechas: 10 y 11 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Fundada en 1945\, Scapino Ballet Rotterdam es la compañía de danza más antigua de los Países Bajos. Se ha convertido en una formación contemporánea atrevida y experimental y ha jugado un papel fundamental en la evolución de la danza de nuestro tiempo. Conocida tanto por las grandes producciones del coreógrafo holandés Ed Wubbe\, director artístico de la compañía desde 1992\, como por piezas de jóvenes coreógrafos de gran talento como Marcos Morau\, Felix Landerer\, Itamar Serussi o Fang-Yu Shen\, entre otros\, Scapino se caracteriza por su constante proceso de evolución y un espíritu de aventura que le ha llevado a colaborar con artistas de circo\, grupos de música pop o producciones de ópera. \nEspecialmente bajo la dirección de Wubbe\, que ha firmado más de sesenta coreografías para la compañía\, Scapino se ha atrevido a experimentar con la danza para atraer a grandes públicos\, inspirándose en temas literarios\, históricos o incluso políticos y utilizando lenguajes musicales bien diferentes\, desde el barroco hasta el hip-hop. Este programa doble que ahora presenta en el 34º Festival Internacional Madrid en Danza supone una ocasión única para disfrutar de dos piezas icónicas de Wubbe combinadas en un solo espectáculo. \nHolland se inspira en el siglo XVII\, conocido como la Edad de Oro holandesa\, un periodo de prosperidad y crisol de culturas que llevó al país a ocupar un puesto preeminente entre las emergentes potencias de su tiempo\, así como a forjar la identidad de la nación. Un espectáculo que\, con trajes inspirados en el siglo XVII y telones que homenajean a pintores barrocos como Van Ruysdael\, intercala coreografías grupales y virtuosos solos para mostrarnos la majestuosa dualidad holandesa: la de los Países Bajos del rico comerciante y la del austero ministro calvinista. \nCon Le Chat Noir avanzamos hasta la escena de café-teatro y cabaret del París de principios de siglo\, lugar de encuentro de músicos y bohemios. Con un regusto de fin de siglo\, este montaje revive el entusiasmo y el espíritu de una época en una ingeniosa fusión de danza\, música y espectáculo de variedades. Detrás de los extravagantes artistas y el glamour de la vida teatral perdura la soledad y la gloria desvanecida. La chispeante música de opereta y una nueva versión del cancán se alternan con solos desgarradores al son de Brel y Piaf”. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:The Look / Black Milk / George & Zalman
DESCRIPTION:Dirección: Ohad Naharin.\n\nCoreografías: Ohad Naharin (George & Zalman / Black Milk)y Sharon Eyal (The Look).\n\nMúsica: Für Alina\, de Arvo Pärt (George & Zalman) / Rhythm Songs for One or More Marimbas\, Etude No. 3\, de Paul Smadbeck (Black Milk) / Ori Lichtik (The Look).\n\nCompañía: Batsheva – The Young Ensemble.\n\nFechas: 13 y 14 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Aclamada por la crítica como una de las formaciones de danza contemporánea más destacadas del mundo\, Batsheva Dance Company es la compañía más grande de Israel\, con un extenso programa de más de 250 representaciones anuales a nivel local e internacional. Impulsada por el coreógrafo Ohad Naharin\, director artístico desde 1990 a 2018\, Batsheva – The Young Ensemble es una división de la compañía que nació para desarrollar la carrera de jóvenes bailarines fomentando sus procesos creativos y desarrollando nuevos públicos a través de un exigente programa de dos años que incluye apoyo coreográfico\, un riguroso entrenamiento y giras nacionales e internacionales. La escuela se fundamenta en la técnica Gaga\, un innovador lenguaje de movimiento creado por Naharin que potencia la investigación para aumentar la sensación y la imaginación\, tomar conciencia de la forma\, encontrar nuevos hábitos de movimiento e ir más allá de los límites físicos conocidos. Un marco de trabajo que anima a los bailarines a aprovechar al máximo su experiencia y dar lo mejor de sí mismos. La compañía Batsheva Dance Company está compuesta casi en su totalidad por graduados de The Young Ensemble. \nThe Look es una nueva pieza de la coreógrafa Sharon Eyal que se inspira en la filosofía pacifista de la no violencia de Gandhi bajo el enunciado “nadie puede hacerme daño sin mi permiso”. De 2005 a 2012\, Eyal fue coreógrafa residente en Batsheva\, para la que creó trece coreografías hasta fundar\, junto a Gai Behar\, su propia compañía en 2013. Tras representarla durante dos temporadas consecutivas en Israel\, The Young Ensemble sale de gira con este nuevo trabajo que incluye además dos celebradas creaciones de Naharin\, George & Zalman y Black Milk“. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Distopía
DESCRIPTION:Dirección artística y coreografía: Patricia Guerrero.\n\nDirección escénica y dramaturgia: Juan Dolores Caballero.\n\nDirección\, composición y adaptación musical: Dani de Morón.\n\nCompañía: Compañía Patricia Guerrero.\n\nFechas: 15 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“Un lugar imaginario. Una naturaleza irreal. La soledad. La incomprensión”. Así introduce la Compañía Patricia Guerrero su última creación\, Distopía\, con la que este mes de diciembre regresa a la capital en el marco del 34º Festival Internacional Madrid en Danza. La distopía como concepto describe un mundo imaginario indeseable donde la realidad se funde con la pesadilla. Un mundo donde las contradicciones de los discursos son llevadas a sus consecuencias más extremas. \nLa historia de Distopía se mueve entre la realidad y el sueño\, la verdad y el delirio\, a través un imaginario sonoro y de movimiento que se convierte en un juego de pulsiones para mostrarnos a una mujer dentro de una sociedad que\, en apariencia\, es amable\, pero cuya realidad más profunda encierra y despoja a esta mujer de su propio ser\, casi de su propio cuerpo\, para convertirla en una especie de autómata con el camino marcado. Una historia extraída de la realidad en la que vivimos\, que muestra la parte oculta del mundo y que se sufre en silencio y en soledad. Una historia que tiene la intención de contar cómo ciertos métodos de conducción de nuestra sociedad derivan en sistemas injustos y crueles. \nTodo empieza con la fiesta y el recuerdo\, que dan paso al metrónomo que\, como leit motiv\, va marcando el tiempo vivido\, el dominio físico de los hombres\, a los que ella pretende emular\, o la necesidad de amar y la locura ante la imposibilidad de escapar de la sociedad. La ficción supera la realidad\, dando lugar a una vivencia de fragmentos de sueño destruido e indeseable\, donde lo vivido termina por aplastar a la protagonista\, que nos propone un viaje hacia la profundidad de las emociones. \nDistopía\, cuyo estreno absoluto tuvo lugar en la Bienal de Flamenco de Sevilla en septiembre de 2018 con una calurosa acogida\, fue finalista en los Premios Max 2019 en las categorías de mejor espectáculo de danza\, mejor intérprete femenina y mejor coreografía. Su creadora la define así: \n“Cualquier logro de la sociedad camino a la utopía genera en una distopía. La protagonista de esta historia está en una sociedad aparentemente ideal y\, por lo tanto\, inexistente y rota\, donde la personalidad del individuo se anula. Ella se cuestiona la vida que ha tenido\, y que sigue viviendo\, por la cual la juzgan y la maltratan en todos los sentidos. Distopía es un espectáculo con un contenido duro y profundo pero lleno de luz y belleza en sus escenas y en la que la gente podrá disfrutar del flamenco\, de la danza y la música llevado de la mano a la carga emocional de la historia”. “. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Tan solo
DESCRIPTION:Creación y producción: Manuel Reyes.\n\nTextos y coreografía: Manuel Reyes.\n\nDirección escénica: Cristiane Azem.\n\nDirección musical: Gema Caballero.\n\nIntérpretes: Manuel Reyes (baile)\, Claudio Vllanueva (guitarra)\, David Moreira (violín)\, Roberto Lorente y Juan José Amador (Voces). .\n\nCompañía: Compañía Manuel Reyes.\n\nFechas: 17 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“De forma sutil pero inequívoca\, Manuel Reyes invita al espectador a la reflexión sobre las batallas internas que\, como seres humanos\, libramos en nuestro interior. El bailaor las expone en escena a través de un flamenco de profundidad al que solo se le añade la evolución natural del tiempo\, para llevarnos a aquello que “tan solo” somos\, la emoción. \nManuel Reyes (Córdoba\, 19974) se ha nutrido desde siempre de la experiencia y la disciplina de grandes bailarines y coreógrafos de la danza española. Asismismo\, desde su juventud\, ha construido sus propias fórmulas para comprender y expresar la danz\, convirtiéndose\, también\, en un artista autodidacta. Desde niño\, se forma en la prestigiosa academia madrileña Amor de Dios\, así como en la escuela del Ballet Nacional de España\, compañía en la que debuta a la temprana edad de siete años. A lo largo de su trayectoria\, ha colaborado junto a formación y artistas de la talla de Joaquín Cortés\, Antonio Canales\, Merche Esmeralda\, José Granero\, Antonio Reyes o Belén Maya. Asimismo\, junto a su propia compañía\, ha presentado sus espectáculos por medio mundo\, como Colores\, Manuel Reyes en vivo o De aquí\, de allí\, de ayer\, de hoy\, de los cuales también ha sido el compositor de la música y la letra y que siempre tienen el flamenco como denominador común. \nReyes ha actuado en espacios tan señeros como el Liceo de Barcelona\, el Teatro de la Zarzuela y el Teatro Albéniz de Madrid\, el Concertgebouw de Ámsterdam\, el New Victory de Nueva York\, el Teatro Lope de Vega de Sevilla o el Teatro Villa Marta de Jerez\, entre muchos otros. Sus últimos trabajos han sido Ensayos y acuerdos\, una incursión en el mundo de la danza-teatro donde aborda el tema de los estereotipos sociales\, y Tan solo\, un espectáculo de corte autobiográfico\, en el que\, a través de la belleza y la fuerza expresiva que en sí mismo contiene el flamenco\, saca a escena los dilemas que cada individuo libra en su interior. Cristiane Azem\, directora de esta pieza\, expresa: “Tan solo es un autorretrato que se fragua de la necesidad de bailar y de compartir la verdad en el arte\, del que para mí es un genio del flamenco\, Manuel Reyes”. El bailaor revisita ahora esta pieza en una nueva puesta en escena\, bajo el título Tan solo\, de Manuel Reyes\, que presentará en diciembre en Teatros del Canal en el marco del 34º Festival Internacional Madrid en Danza”. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Fandango Avenue
DESCRIPTION:Dirección artística y coreografía: Sara Calero.\n\nDirección musical: Gema Caballero.\n\nArtistas: Sara Calero (baile)\, Gema Caballero (cante)\, José Almarcha y Javier Patino (guitarra flamenca y composición para guitarra flamenca)\, Alfredo Ancillo y Jorge Lamas (violines)\, Javier Morillas (violonchelo)\, Ana Valdés (viola)\, Silvia Márquez – artista invitada (clave).\n\nCompañía: Compañía Sara Calero.\n\nFechas: 18 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“La bailarina Sara Calero presenta el estreno absoluto de su última creación\, Fandango Avenue\, en el marco del 34º Festival Internacional Madrid en Danza. En este nuevo espectáculo\, la artista se acerca al fandango\, una de las formas musicales y dancísticas más importantes y representativas de la Península Ibérica\, declarado Bien de Interés Cultural en 2010 y origen de un buen número de estilos flamencos. La capacidad de mutación del fandango y su diversidad lo convierten casi en un género en sí mismo\, en el que tienen cabida desde las expresiones más populares hasta las formas más refinadas. El reto de Sara Calero consiste en abordar este estilo con un interesante afán de sincretismo estético. \nEn un ejercicio de naturalismo sin precedentes\, Sara Calero llevó la danza española a la calle en Fandango Street\, una obra atrevida -germen de este Fandango Avenue que ahora llega a los Teatros del Canal- en la que las formas musicales y dancísticas clásicas se exponen en los rincones y plazas del entramado urbano. Ahora\, con este nuevo montaje\, Sara Calero propone otro contexto para su lenguaje expresivo: los espacios de una ciudad profundamente moderna y cosmopolita\, como podría ser el Nueva York de los años 50\, en plena edad de oro de los musicales y en el apogeo del cine clásico\, con las bulliciosas Broadway\, Times Square y la Quinta Avenida… Toda una factoría de iconos de nuestro tiempo. Ya Antonio Ruiz Soler tomó prestados elementos de aquellos lenguajes para incorporarlos a nuestro baile español. En Fandango Avenue\, Sara Calero lleva nuevamente su danza clásica y vanguardista al escenario de aquellos sueños. \nSara Calero es una de las principales referencias actuales de la renovación de la danza española y el baile flamenco. Premiada en el Certamen Coreográfico de Madrid como artista sobresaliente y en el Festival de Jerez como artista revelación\, Calero parte de una sólida formación clásica y de su experiencia como primera bailarina y solista en compañías tan significativas como el Ballet Nacional de España\, la Compañía Andaluza de Danza\, la Compañía de Antonio Márquez o Compañía Ibérica de Danza. Su talento ha brillado también junto a primeras figuras del cante flamenco como Carmen Linares o Esperanza Fernández. \nActualmente\, la artista dirige su propia compañía de danza\, con la que realiza giras nacionales e internacionales. Además de Fandango Avenue\, en su haber se citan los montajes Petisa Loca\, Zona Cero\, El mirar de la maja y Cosmogonía. Sus creaciones se han podido ver en plazas tan importantes como el Suzanne Dellal Centre de Tel Aviv\, el Festival Flamenco de Toulouse\, el Vancouver Flamenco Festival\, el Festival Esch de Luxemburgo o el propio Festival Internacional Madrid en Danza”. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Ghost / Still Life
DESCRIPTION:Coreografía: Angelin Preljocaj
.\n\nAsistente y director artístico asociado: Youri Aharon Van den Bosch.\n\nMúsica: Alva Noto y Ryuichi Sakamoto.\n\nProducción: Ballet Preljocaj.\n\nFechas: 20 y 21 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“La figura del francés Angelin Preljocaj comenzó a despuntar en la creación dancística internacional hace más de tres décadas con la fundación de su propia compañía\, Ballet Preljocaj\, para la que ha ideado más de 45 trabajos coreográficos y con la que ha sido reconocido con importantes premios como el Benois de la Danse o el Bessie Award\, entre otros\, principalmente por sus particulares reinterpretaciones de cuentos de hadas como Blancanieves. Además de trabajar para su propia compañía\, Preljocaj ha firmado piezas para el Ballet de la Ópera de París y el New York City Ballet y ha colaborado estrechamente con otros creadores provenientes del mundo de la moda\, la música y la literatura. \nCon motivo del bicentenario del nacimiento de Marius Petipa en 2018\, Preljocaj recibió el encargo del Festival Diaghilev de San Petersburgo de imaginar una nueva creación en homenaje al mítico coreógrafo. El resultado es Ghost\, un trabajo que se sumerge en la mente de Petipa cuando este tuvo la idea de crear su famoso Lago de los cisnes. A partir de este guiño\, Preljocaj traza un viaje entre nuestro tiempo y el glorioso pasado de la Rusia imperial\, evocando el rastro –el fantasma al que alude el título\, en su sentido más poético– que ha dejado en nuestro inconsciente colectivo una de las más grandes figuras de la danza. \nStill Life nos remite a los bodegones entendidos a lo largo de la historia del arte como alegorías de la muerte\, el tiempo y la vacuidad de las pasiones. Estampas que simbolizan actividades humanas con elementos que evocan el paso del tiempo: fragilidad\, destrucción\, guerra y el triunfo de la muerte. Y ese mismo eje temático está presente en esta coreografía. Los cuerpos de los seis bailarines exudan una escritura coreográfica concreta y establecen una reflexión sobre lo que estos símbolos ancestrales nos dicen hoy en día”. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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SUMMARY:Hilo roto
DESCRIPTION:Idea original: Albert Hernández.\n\nDirección: Albert Hernández e Irene Tena.\n\nMúsica: Daniel Artomático (música original)\, Es mi niña bonita (Paquito Jerez)\, Mi niña Lola (Pepe Pinto\, con arreglo a piano de Andreu Gallén)\, La moza Donosa (Alberto Ginastera)\, Loca (Sílvia Pérez Cruz)\, El cant dels ocells (canción popular\, con versión de Pau Casals).\n\nProducción: La Venidera.\n\nFechas: 20 de diciembre 2019.\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n“La familia de Antonio\, un anciano enfermo de Alzheimer\, busca desesperadamente junto a sus vecinas reencontrarse con él. El señor Antonio se ha perdido\, otra vez. ¿Ustedes le han visto? Hilo roto es un grito al cielo por todas aquellas personas que olvidan sus recuerdos y\, también\, por aquellas que indirectamente sufren esa desmemoria. \nHilo roto trata de subir al escenario una de las grandes patologías del siglo XXI\, el Alzheimer. Más de 800.000 personas en España padecen esta enfermedad neurodegenerativa y todavía no existe ninguna cura. \nPartiendo de una experiencia vivida en primera persona y tras el estudio del proceso degenerativo que padecen las personas con Alzheimer\, este proyecto dancístico quiere dar visibilidad a este colectivo sin voz\, sensibilizarse con los familiares que lo sufren y compartir el trasfondo que hay de puertas adentro en convivencia con esta enfermedad: el amor. \nHilo roto es un reflejo estético de la España de los años 40 que toma como protagonista a un viejo cantaor\, el cual nos hará un recorrido por su vida\, si es que no se pierde por el camino. Su mujer\, junto con su única hija y sus vecinas\, tratarán de ayudarle a salir de su propio laberinto. \nLa compañía La Venidera\, dirigida por Albert Hernández e Irene Tena\, actuales bailarines del Ballet Nacional de España\, nace a raíz de la necesidad coreográfica e interpretativa de los artistas de emprender nuevos caminos para la investigación de la danza\, especialmente\, en de la modalidad flamenco-contemporánea. \nLa joven troupe busca explorar nuevas perspectivas de la danza española y del flamenco\, aunando toda la tradición cultural que le precede con aquello que puede encontrarse en terreno inexplorado. Apuesta por nuevas corrientes coreográficas inspiradas en las tendencias de la danza contemporánea europea y quiere potenciar su danza al enriquecerla de otros lenguajes\, con el fin de despertar nuevos intereses en el espectador. \nLa Venidera es una escapatoria a la necesidad creativa e interpretativa de la danza. Es una nueva puerta a la investigación y a la libertad de la danza española y el flamenco\, conservando siempre el estudio de su tradición. Es un espacio abierto donde el movimiento es el protagonista\, que se enriquece y se alimenta con todas las disciplinas que tiene a su alcance\, abarcando así muchos más lenguajes que proyectar. Para La Venidera\, la danza es búsqueda\, comunicación y verdad”. \n\n(Texto de Festival Madrid en Danza)\n\n\n\n\n\n\nEstrellas Volodia
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