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SUMMARY:Otra vuelta de tuerca
DESCRIPTION:Autor: Ramón Paso\, a partir de la novela de Henry James. \nDirección: Ramón Paso. \nIntérpretes: Ángela Peirat\, Inés Kerzan\, Ana Azorín\, Guillermo López-Acosta\, Cheyenne Grau\, Judit Martín\, Jordi Millán. \nProducción: Pazoazorín Teatro. \nFechas: del 2 de noviembre de 2022 al 4 de enero de 2023. \nHorarios: miércoles\, 22.00h. \n \n“Existe una casa apartada\, en la campiña inglesa… y allí existe un desván… y en el desván existe un secreto. Un secreto del que apenas se habla por la increíble fealdad que contiene y el horror\, y el inaudito dolor al que dio origen. La señorita Abigail James\, maestra de francés\, llega a Bly Manor con la misión de\, junto a la señorita Grose\, encargarse de la educación de dos adolescentes\, Flora y Julia\, pero lo que encuentra es una presencia\, rebosante de un mal insidioso y corrupto\, que quiere apoderarse de las chicas\, porque lo que está muerto desea la carne. ¡Lo muerto envidia la carne! ¿Podrá la señorita James salvar a las dos jovencitas sin perder el alma en el intento…? O\, a lo mejor\, nada es verdad y todo lo han imaginado las chicas… Bienvenidos a Bly Manor”. \n\n(Texto de Teatro Lara)
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LOCATION:Teatro Lara (Sala Lola Membrives)\, C/ Corredera Baja de San Pablo 15\, Madrid
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SUMMARY:La Toffana
DESCRIPTION:Autora:  Vanessa Montfort.\n \nDirección: María Herrero. \nIntérpretes:  Victoria Teijeiro\, Amaranta Munana\, Aitor de Kintana\, María Herrero. \nProducción: Flexión Teatro\, Proyecto Barroco\, La Quintana Teatro\, TIDI: Teatro Inversión Desarrollo e Investigación\, Centro Dramático Gallego y Vanessa Montfort. \nFechas: del 3 al 13 de noviembre de 2022. \nHorarios:  martes a sábado\, 19:00h. Domingos\, 18:30h. \n \n“La Toffana: ¿Alquimista? ¿Justiciera? ¿Envenenadora profesional? ¿Heroína? ¿Bruja? ¿Empresaria de éxito? ¿O… todo ello? \nEl 13 de julio de 1659 en el Tribunal del Santo Oficio de Roma da comienzo el esperado juicio a Giulia Toffana. Giulia\, su hija Girolama y su ayudante son acusadas de crear y distribuir entre las mujeres romanas un veneno indetectable: el agua Toffana. Este veneno facilitó la viudedad a más de 600 mujeres y se hizo tremendamente popular generando cuantiosos beneficios\neconómicos. \nTomando como partida el juicio real de este fascinante personaje histórico nos adentramos en la sociedad del S.XVII donde la única posibilidad de salir viva de un matrimonio opresivo era enviudar”. \n(Texto de Teatro de La Abadía)
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LOCATION:Teatro de La Abadía (Sala Juan de la Cruz)\, C/ Fernandez de los Ríos\, 42\, Madrid\, Madrid\, 28015\, España
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SUMMARY:Señora de rojo sobre fondo gris
DESCRIPTION:Autor: Miguel Delibes. \nAdaptación: José Sámano\, José Sacristán e Inés Camiña. \nDirección: José Sámano. \nIntérprete: José Sacristán. \nProducción: Sabre\, Pentación\, Taly Cual\, AGM. \nFechas: del 3 de noviembre de 2022 al 22 de enero de 2023. \n \n“Un pintor\, con muchos años en el oficio\, lleva tiempo sumido en una crisis creativa. Desde que falleció de forma imprevista su mujer\, que era todo para él\, prácticamente no ha podido volver a pintar. \nEstamos en el verano y otoño de 1975. La hija mayor de ambos está en la cárcel por sus actividades políticas\, y es en esas fechas cuando surgen los primeros síntomas de la enfermedad de su madre que la hija vivirá desde dentro de la prisión. Es otro recuerdo permanente en la vida de su padre\, que también ahora revive. \nEsta obra teatral es el relato de una historia de amor en camino desenfrenado hacia la muerte\, que nos sitúa en aquella España con rasgos inequívocos\, que nos habla de la felicidad y de su pérdida\, y que llega a la intimidad de cada ser humano\, y a su emoción\, por el camino recto y simple de la verdad”. \n\n\n(Texto de Pentación)
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LOCATION:Teatro Bellas Artes
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SUMMARY:Elogio de la estupidez
DESCRIPTION:Tres amigos que comparten piso intentan sobrevivir a la amistad\, al amor\, a las hamburguesas\, a las raves\, a la opinión de sus padres\, al precio de los alquileres y\, en resumen\, a la vida. Elogio de la estupidez es una sátira que recorre las contradicciones que la mayoría de nosotros tenemos que afrontar en esta época de crisis y fanatismo. Un divertido retrato generacional que se atreve a hablar con humor del dogmatismo\, la opresión\, la censura\, la intransigencia\, la evasión\, la moralidad y\, en definitiva\, de todas las lacras del mundo contemporáneo. \nLibremente basada en la genial e inabarcable Bouvard y Pécuchet de Flaubert y arrebatándole el título a Erasmo de Roterdam\, la obra es una advertencia contra nuestra propia estupidez ilustrada\, ya que\, gracias a Google y a Twitter\, todos somos unos imbéciles llenos de argumentos. Este espectáculo es una apología de la estupidez inevitable y la indefensión de todos los que tenemos que vivir confundidos en el caos ideológico de la sociedad actual. \nElogio de la estupidez es a la vez un canto de amor y desprecio hacia el cuñadismo internacional\, la ignorancia y la necedad humana; una sátira desproporcionada que\, incapaz de saber hacia donde apuntar\, dispara en todas las direcciones posibles. Una divertida y grotesca celebración del repertorio de nuestra propia estupidez. \n(Texto de Teatro Español) \n \nAutor: Darío Facal. \nDirección: Darío Facal. \nIntérpretes: Agus Ruiz\, Bárbara Santa-Cruz\, Mario Alonso y Ana Janer. \nProducción: Teatro Español y Metatarso Producciones. \nFechas: del 3 al 27 de de noviembre de 2022.
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LOCATION:Matadero Madrid – Naves del Español (Sala Max Aub)\, Paseo de la Chopera\, 14\, Madrid
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SUMMARY:Antígona 3 x 3\,5
DESCRIPTION:La Companhia do Chapitô vuelve a Espacio Abierto con Antígona\, obra que cierra la trilogía de tragedia griega que comenzó con Edipo y siguió con Electra. Transformar la tragedia en comedia\, valorándola por su poder de cuestionar todos los aspectos de la realidad física y social\, ha sido una de las premisas de esta compañía. \nEsta nueva creación colectiva de la Companhia do Chapitô\, la 38ª de su repertorio\, sigue explorando el estilo de la absoluta comedia visual y física que invita a la imaginación del público. \nEl argumento es sencillo: muere Edipo\, sus dos hijos luchan entre sí por el trono de Tebas y mueren. Creonte (ahora rey) decreta que Eteocles sea enterrado con todos los honores y Polinices sea dejado a la intemperie para que su cadáver sea pasto de los carroñeros. Antígona se rebela ante este decreto y es condenada a la muerte por piedra (atención a este detalle). Hemón\, hijo de Creonte\, se suicida y Antígona al final también muere. Un baño de sangre familiar que provocará lágrimas (de risa) en el público. \nAl estilo inconfundible de la Companhia do Chapitô: (in)adaptando clásicos. Destruyendo\, transformando y reciclando tragedias. \n(Texto de Espacio Quinta de Los Molinos) \n\n\n\n\n\n\n\nCreación:  creación colectiva Companhia do Chapitô.\n\nDirección: José Carlos García y Claúdia Nóvoa.\n\nIntérpretes: Pedro Diogo\, Susana Nunes y Tiago Viegas.\n\nCompañía: Companhia do Chapitô .\n\nFechas: 4\, 5 y 6 de noviembre 2022.\n\nHorario: 18.30h.
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LOCATION:Espacio Abierto Quinta de Los Molinos\, Quinta de Los Molinos (C/ Juan Ignacio Luca de Tena)\, Madrid\, Madrid\, 28027\, España
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SUMMARY:Lo que quieren las guachas
DESCRIPTION:Texto:  Mariana Cumbi.\n\nDirección: Paola Matienzo.\n\nIntérpretes: Laura Aguado\, Gianluca Bonanno\, Sara Buenavida\, Wendy Gara\, Jorge Santos y Sandra Sogorb.\n\nProducción:  Paola Matienzo.e Isidro Romero.\n\nFechas: del 5 de noviembre al 17 de diciembre de 2022.\n\nHorarios: sábados\, 22.00h.\n\n\n\nJorge Santos\, Gianluca Bonanno\, Wendy Gara\, Sara Sogorb\, Sandra Buenavida y Laura Aguado\, en una imagen promocional de “Lo que quieren las guachas”\n\n\n\n\n\n\n“Partiendo de las tensiones que surgen del cruce entre adolescentes de distintos sectores sociales\, la obra reflexiona sobre nuestra sociedad\, abordando temas tan diversos como la desigualdad social\, el miedo a lo distinto\, la discriminación\, la intolerancia devenida en agresión\, el aborto\, la construcción de la identidad y la apariencia\, la posición de la mujer\, los prejuicios\, el deseo\, la presión de los mandatos sociales\, la lucha de clases\, el machismo y las violencias de género. \nLos personajes se dividen en dos grupos; tres son miembros de una familia de clase baja de un barrio marginal\, compuesta por una madre que por su condición trans trabaja en la calle\, un hijo y una hija de 20 años. Los otros tres personajes son un chico y dos chicas que están en un instituto privado de prestigio. Cada uno carga con su propio dolor\, pero las oportunidades de superarlo evidentemente no son las mismas. \nPor otro lado la autora pone en evidencia la desigualdad que vive la mujer según el estrato social al que pertenece y ciertas realidades que eluden el factor social y que hacen que mujeres de diferentes clases y países sean víctimas de maltratos\, abusos o cosificaciones. En este sentido\, también habla de la posición del hombre\, enfrentado dos masculinidades opuestas\, la impuesta por el mandato patriarcal y otra que rompe con el mismo y es más desprejuiciada y sensible”. \n\n\n\n\n\n\n\n\n(Texto de AZarte Teatro)
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LOCATION:AZarte\, C/ San Marcos\, 19\, Madrid\, Madrid\, 28004\, España
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SUMMARY:Espaldas de plata
DESCRIPTION:Autor: Xavo Giménez . \nDirección: Xavo Giménez. \nIntérpretes: Leo de Bari y Xavo Giménez. \nProducción: La Teta Calva Producciones. \nFechas: del 10 al 27 de noviembre de 2022. \n \n\n“Fontana\, un creativo publicitario se ve empujado a aceptar algo que detesta\, a cumplir unas órdenes que él nunca daría. Porque de eso va esto\, de dar o cumplir órdenes. Comete el imperdonable error de traicionar a sus principios y cuando decide reconducir la situación (todos cometemos errores)\, cuando decide enmendar sus pecados\, ya no hay marcha atrás. Una vez bato las alas en mi sofá\, se desatan los tornados en Oklahoma. \n\n\nNuestro día a día se conforma de pequeños actos criminales y discretos. Somos miserables aunque sea de vez en cuando. Nuestra cuota de perversión. Fontana y Walter trabajan en una agencia de publicidad encargada de la campaña de un político que ha pasado unos años en la sombra debido a oscuros casos de corrupción y ahora vuelve a la carrera después de haber pagado por todos sus pecados. Vender tu alma al diablo. ¿Lo harías? ¿Lo harías por un puñado de euros a fin de mes? ¿Por esas vacaciones a África que llevas años esperando?”. \n\n\n  (Texto de Teatro Fernán Gómez).
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LOCATION:Teatro Fernán Gómez (Sala Jardiel Poncela)\, Plaza de Colón\, 4\, Madrid\, Madrid\, 28001
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SUMMARY:Falaise
DESCRIPTION:Autores: Camille Decourtye y Blaï Mateu Trias.\n \nDirección: Camille Decourtye y Blaï Mateu Trias. \nEn escena: Noëmie Bouissou\, Camille Decourtye\, Claire Lamothe\, Blaï Mateu Trias\, Oriol Pla\, Julian Sicard\, Marti Soler\, Guillermo Weickert\, un caballo y palomas. \nCompañía: Baro d’Evel. \nFechas: del 10 al 12 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \n \n“Superados todos los intentos taxonómicos y los palabros del tipo transdisciplinar\, multidisciplinar\, ultradisciplinar o metadisciplinar\, la mejor forma de definir el trabajo del colectivo francocatalán Baro d’evel es recurrir a una vieja y manoseada palabra: belleza. Por supuesto\, laten en la decena larga de montajes que han cuajado la música\, el circo\, la danza y el teatro\, el clown y una plástica escénica brutal\, el humor y el riesgo\, la relación virtuosa con la materia y la casi mística con los animales\, la distancia y el silencio de una sala y la algarabía integrada de un espectáculo de calle\, la mágica sensación de sentir la niña interior bajo una carpa y la lágrima incontrolable ante su poesía visual. Su última creación\, previa a la pandemia\, es un díptico en blanco y negro que los dejó allí\, asomados al abismo\, al acantilado sobre el que hacer equilibrios y acrobacias para seguir alimentando su utopía. La primera parte\, negro sobre blanco\, se llamaba Là\, protagonizada por los fundadores de la compañía\, Camille Decourtye y Blaï Mateu Trias\, y el cuervo Gus. La segunda\, blanco sobre negro\, lleva por título Falaise y está interpretada por ocho seres humanos\, un caballo y varios pájaros. \nFalaise es una ceremonia inclasificable con la que\, dicen Mateu y Decourtye\, quieren “llevar al espectador por un laberinto interior\, por un sueño lúcido”. Para ello trabajaron con el escenógrafo Lluc Castells con el fin de construir un espacio donde se abriesen diversos planos y los personajes pudieran dar saltos en el tiempo por distintos lugares de la historia. Como en Là\, las paredes abren grietas por las que se entra y se sale\, por las que se nace y se muere y se vuelve a renacer. Han vuelto a trabajar\, una vez más\, con María Muñoz y Pep Ramis\, de la compañía Mal Pelo\, para la puesta en escena\, y han encontrado dos nuevos aliados que ahora\, ya dentro\, pareciera que estaban predestinados a habitar desde siempre esta troupe: Oriol Pla y Guillermo Weickert. Y ahí están esas palomas blancas y Txapakan\, el caballo blanco que juega\, trota y se tiende en torno a Camille. Y en el apartado dramatúrgico han vuelto a contar con Barbara Métais-Chastanier\, que habla así de Falaise: “En la oscuridad de las cavernas\, para los hombres el sonido era una brújula\, la luz que les guiaba en la ceguera\, el canto que iluminaba los muros. Para ubicarse\, había que gritar. Para iluminar la oscuridad\, había que cantar. Aquí también es así: gritan\, buscan\, andan a tientas. Avanzan lo mejor que pueden por el túnel de la época. Es difícil saber si están a los pies de la pared o en la cumbre del mundo\, si la vida muere allí o si renace. Quieren salir adelante. Cueste lo que cueste. Son muchos. Es un rebaño. Es una multitud. Casi una familia. Y en los intersticios de un mundo en ruinas\, inventan algo nuevo”. \nEs muy difícil no caer rendidos ante un espectáculo tan conmovedor como este\, tan universal\, tan humano\, aunque suene a retórica vacía. Vuelvan sobre estas líneas al finalizar la representación y me cuentan. Son dos horas de tanto virtuosismo y pureza como imperfección y transgresión. Aquí la palabra es cuerpo\, la razón es arte\, el tiempo se contorsiona y la vida juega como una niña cruzando un río por un tronco fino. Esa niña posee a Camille Decourtye\, con toda su frágil fortaleza\, valga la paradoja\, desde que al comenzar la función nos dice que todo irá bien. La posee a ella y nos agarra el corazón a quienes asistimos boquiabiertas al ritual cuyo magnetismo nos lleva a asomarnos con ellos al acantilado. Como escribió una crítica francesa\, “¿Resistirá el humano a su caída? En un vals metafórico\, extraordinarios artistas (incluyendo un caballo) desafían la catástrofe anunciada”. \n(Texto de Festival de Otoño)
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LOCATION:Teatros del Canal (Sala Roja)\, C/ Cea Bermúdez\, 1\, Madrid\, 28003\, España
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SUMMARY:El retablillo de Don Cristóbal
DESCRIPTION:Autor:  Federico García Lorca. \nDirección: Ana Zamora. \nIntérpretes: Eduardo Mayo\, Verónica Morejón\, Isabel Zamora. \nCompañía: Nao d’Amores. \nProducción: Nao d’Amores.  \nFechas: 10 de noviembre de 2022\, Alcalá de Henares\, Centro Sociocultural Gilitos /  18 de noviembre de 2022\, Tres Cantos\, Teatro Municipal de Tres Cantos / 20 de noviembre de 2022\, Soto del Real\, Centro de Arte y Turismo. \n40º Festival de Otoño \n\n\nFoto: Ángela Bonadies\n\n\n\n\n\n “Teatro de marionetas y música\, los dos ingredientes principales de esta aproximación de la compañía de Ana Zamora al clásico de Federico García Lorca\, cuyo amor e interés por los títeres nace en su infancia\, cuando aprende a manipular marionetas y a tocar el piano. Ese amor no se agota\, sus primeras piezas como autor son para títeres\, alumbra junto a Manuel de Falla el proyecto de un Teatro Andaluz de Títeres y terminará escribiendo una trilogía que tiene como protagonista al personaje inspirado en el héroe nacional don Cristóbal Polichinela\, reconocido por su voz chillona\, ejecutada con la tradicional lengüeta titiritesca\, que ha marcado la identidad del personaje desde sus orígenes en la Commedia dell’Arte. La última de esas tres obras que le dedica Lorca es el Retablillo de don Cristóbal. \nNao d’amores es una compañía especializada en dar vida al teatro primitivo\, el que está en la base de toda la tradición que arranca a finales de la Edad Media. Su trabajo parte siempre del respeto de la tradición y de un profundo conocimiento teórico de aquello que acometen\, pero sin renunciar al juego teatral contemporáneo. Así han alumbrado en esta ocasión una auténtica fiesta lorquiana que mezcla lo antiguo y lo contemporáneo\, un experimento bello y poético\, festivo y gamberro\, que han querido dedicar a la memoria de Julio Michel\, titiritero\, maestro y amigo de Zamora y los suyos\, responsable del magnífico festival Titirimundi de Segovia\, que colabora en la producción de esta pieza”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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LOCATION:Varios espacios
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SUMMARY:40º Festival Otoño
DESCRIPTION:Espacios: Teatros del Canal\, Teatro de La Abadía\, Teatro María Guerrero (CDN)\, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque\, Espacio Abierto Quinta de los Molinos\, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía\, Sala Cuarta Pared\, Réplika Teatro\, Teatro Pradillo\, Sala Mirador\, La Casa Encendida\, Teatro del Barrio\, exlímite\, Teatro Tarambana\, Centro Cultural Paco Rabal\, Teatro del Bosque (Móstoles)\, Teatro Villa de Móstoles (Móstoles)\, Centro Socio Cultural El Soto (Móstoles)\, Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga Sierra Norte (La Cabrera)\, Corral de Comedias (Alcalá de Henares)\, Centro Sociocultural Gilitos (Alcalá de Henares)\, Casa de la Cultura (Torrelaguna)\, Real Coliseo Carlos III (San Lorenzo de El Escorial)\, Teatro Auditorio Adolfo Marsillach (San Sebastián de los Reyes)\, Mira Teatro (Pozuelo de Alarcón)\, Teatro ISaac Albéniz (Parla)\, Teatro Municipal (Coslada)\, Teatro Municipal (Tres Cantos)\, Centro de Arte y Turismo (Soto del Real)\, Teatro Auditorio Federico García Lorca (San Fernando de Henares) y Centro del Títere (Alcorcón). \nFechas: del 10 al 26 de noviembre de 2022. \n“Fuck me”\, de Marina Otero | Foto: Ale Carmona\nEl Festival de Otoño celebra su 40ª edición con 40 propuestas. La principal cita con las artes escénicas de la Comunidad de Madrid regresa (del 10 al 27 de noviembre) con una edición que rescatará\, como homenaje a su propia historia\, algunos de los nombres relevantes que han contribuido a cimentarlo\, como Robert Lepage\, y simultáneamente abrirá posibilidades al Festival del futuro\, según explica su director Alberto Conejero. \nEl de este año es\, señala Conejero\, un Festival expandido en muchos sentidos: por el número y diversidad de las propuestas\, por el origen de éstas (18 países)\, por los múltiples espacios en que se desarrolla (31 espacios en toda la Comunidad de Madrid\, de administración regional\, estatal y municipal)\, con una decena de estrenos en España y una veintena en Madrid\, y por ser la cita con más programación en municipios de las últimas décadas (13 municipios). “Durante tres semanas el festival ofrecerá un crisol de poéticas\, lenguas\, lenguajes y procedencias que lo hacen único”\, afirma su director. \nDe los 39 espectáculos programados\, 20 son internacionales\, presentados por 19 compañías de las 37 que participan en la edición número 40. Habrá cuatro estrenos absolutos\, otros 7 montajes serán estrenos en España y 19 en la Comunidad de Madrid. \nDe nuevo la Sala Roja de los Teatros del Canal será el escenario de inauguración. Se trata del espectáculo circense Falaise (Acantilado) de la compañía franco-española Baro d´evel\, en coproducción de los Teatros del Canal que\, por distintos avatares y circunstancias\, no ha podido ser programado hasta ahora. \n \nLepage\, Mouawad y Rodrigues\nDesde el principio el Festival de Otoño quiso contar con Robert Lepage en esta edición. Sin duda\, es uno de los nombres ligados a su historia\, desde aquel “glorioso” 2003 y las seis horas de cada representación en El Álamo. \nLepage regresa con 887\, su obra quizá más personal\, donde se abordan temas como la memoria\, el pasado\, la familia y la identidad\, y que descubrirá en escena una nueva generación de espectadores. Apoyada por la Embajada de Canadá y el Teatro del Bosque\, de 887 se ofrecerán tres funciones en Móstoles\, una decisión que recuerda que este es\, incide Conejero\, “un Festival de toda la comunidad”. \nJunto al ya mencionado Falaise\, los espectadores que acudan a Teatros del Canal podrán deleitarse en la Sala Roja con Sœurs (Hermanas) de Wadji Mouawad\, otro de los platos fuertes de este año; Dans la mesure de l’impossible (En la medida de lo imposible) de Tiago Rodrigues\, y sobre el propio escenario de la sala una “belleza” de la creadora Phia Ménard llamada VORTEX. \nEn la Sala Verde\, comparecerá otra de las compañías históricas\, la de los belgas tg STAN. Será su cuarta presencia\, después de su última visita en 2014. Presentarán Infidèles (Infieles)\, a partir de un texto de Ingmar Bergman. Le seguirá en la Verde una de las figuras más importantes de la última escena argentina\, Marina Otero\, con su impactante Fuck Me (Fóllame)\, uno de los espectáculos que conforman el programa iberoamericano del Festival bajo el título Orilla abierta y que reúne propuestas de Brasil\, Chile\, Argentina\, Republica Dominicana\, Colombia y Uruguay. \nLa Sala Negra contará con dos compañías catalanas cuyas propuestas se adentran de lleno en la denominada “creación híbrida”. Son Ahir (Ayer) de Animal Religion\, desde el circo contemporáneo\, y Hammaturgia de Societat Doctor Alonso. Para cerrar la programación en este espacio se producirá el encuentro de Jolente De Keersmaeker\, tg STAN y Jérôme Bel en Dances for an actress (Bailes para una actriz)\, una combinación de teatro físico y la danza tan fundamental en esta edición. \n“Ana contra la muerte”\, de Gabriel Calderón\nGabriel Calderón y Christiane Jatahy\n\nEn Teatro de La Abadía podrá disfrutarse de la creadora chilena Manuela Infante y su Cómo convertirse en piedra\, y del dramaturgo y director uruguayo Gabriel Calderón con Ana contra la muerte. Ambos espectáculos se integran en la sección Orilla abierta. \nA la Sala José Luis Alonso llega la última propuesta de ATRESBANDES\, Aspecto global de una cuestión. Por último\, Poliana Lima protagonizará uno de los estrenos absolutos de este año con Oro negro. La pieza forma parte de un ciclo llamado Cuerpo (in)finito en el que cuatro coreógrafas presentan sus últimas creaciones. \nEn una de las salas históricas del Festival\, la Cuarta Pared\, podrá admirarse la tercera pieza de circo contemporáneo\, “una belleza en el hielo”\, la define Conejero\, llamada Fenómeno de Quim Girón y Moon Ribas\, y la segunda de las piezas de Cuerpo (in)finito:  NOWHEN (AhoraCuando) de Federica Porello\, un cruce “increíble” entre la danza y el teatro de objetos. El tercer espectáculo de este ciclo es Where is Janet? (¿Dónde está Janet?) de Janet Novás\, que se exhibirá en la Sala Réplika. \nA la Sala Mirador llegan dos espectáculos: Interior noche de los madrileños Serrucho y Petróleo de la compañía argentina Piel de Lava\, este gracias a la colaboración con el FIT de Cádiz\, Temporada Alta y Teatro Lope de Vega de Sevilla. Es otra de las propuestas de Orilla abierta. Este ciclo se completa con los colombianos de La Maldita Vanidad y su El Palmeral en el Teatro del Barrio; la vuelta de La Columna Durruti al Festival con su conferencia performática NOCTURNO DE ULRIKE O EL SUJETO HISTÓRICO\, en el Teatro Pradillo\, con el apoyo del Institute Goethe; el segundo espectáculo de Marina Otero\, Love Me (Ámame)\, que completa el díptico con Fuck Me y que se programa en la Sala Réplika. \nDesde República Dominicana y Estados Unidos procede deader than dead (Más muerta que muerta) de Ligia Lewis en colaboración con La Casa Encendida; y de Brasil la mirada de Cristiane Jatahy sobre el universo de Lars Von Trier en Entre chien et loup (Entre perro y lobo)\, en el Teatro María Guerrero\, colaboración con el Centro Dramático Nacional. Y también de Brasil\, llega la danza frenética de Bruno Beltrao y su New Creation (Nueva Creación) en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque\, donde\, ya al margen de Orilla abierta\, se presentará Barbados en 2022\, de Pablo Remón y La Abducción\, con Fernanda Orazi y Emilio Tomé\, la continuidad de aquella recordada Barbados\, etcétera. \nEste año se incorpora la Quinta de los Molinos como escenario del festival con un espectáculo mágico: Songe d’une forêt oubliée (Sueño de un bosque olvidado)\, de los libaneses Kharaba\, que ya cautivaron en 2021 con Geología de una fábula. \nEn colaboración con Surge en Otoño se presentan las piezas de Julia Nicolau Y todavía somos\, y de Quemar las Naves\, Bob o Nunca nadie: La questione del consenso\, en las Salas Espacio Exlímite y Sala Tarambana. Estos dos espacios también se suman al encuentro teatral\, de manera que este extiende su presencia a Usera y Carabanchel. \n \nTres acciones en el Reina Sofía\nEn su 40 edición\, el Festival colabora por partida triple con el Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía.  Es el escenario del tercer encuentro de Pictura Fulgens\, —el encuentro de cuerpo\, poesía y danza—con la participación de las poetas Sara Torres\, Irati Iturritza y Nuria Vil\, y los poetas Pol Guasch\, Manuel Mata y Xaime Martínez. Así se cierra la colaboración con los tres grandes museos del Paisaje de la Luz en una actividad transversal que ha tenido gran aceptación e impacto y que deja ya 18 piezas audiovisuales. \nEn el mismo Reina Sofía\, bajo el título de DUELO COLECTIVO Y DUELO PLANETARIO y comisariado por Isabel de Naverán\, se podrá ver\, por un lado\, la pieza de danza Unending love\, or love dies\, on repeat like it’s endless (Amor interminable\, o el amor muere\, en repetición como si fuera interminable)\, con coreografía de Alex Baczyński-Jenkins\, y por otro la proyección de otra pieza de danza filmada MONUMENT 0.6: Heterochrony (MONUMENTO 0.6: Heterocronía)\, de Eszter Salamon. \n“Bag Lady”\, de Compañía Antártica\nPresencia en los municipios\nÉsta es una de las ediciones con mayor programación en municipios de la historia del Festival de Otoño\, que llegará a Alcalá de Henares\, Alcorcón\, Coslada\, San Lorenzo de El Escorial\, La Cabrera\, Soto del Real\, Parla\, San Fernando de Henares\, San Sebastián de los Reyes\, Tres Cantos\, Móstoles\, Pozuelo de Alarcón y Torrelaguna. \nUna programación en municipios que va del ya citado Robert Lepage al espectáculo para niños de 2 a 5 años …y las ideas vuelan de Animal Religion\, el teatro de títeres y objetos de Teatro Percutor y Compañía Antártica\, la creación contemporánea de La Chachi (incluida en el ciclo Cuerpo (in)finito)\, Los Torreznos\, María Velasco y Vanessa Espín\, o la exploración de Nao d´amores del lorquiano Retablillo de Don Cristóbal. \nSuman en total 25 funciones de teatro en 17 espacios distintos\, lo que es posible a la colaboración decisiva de la Red de Teatros de Comunidad de Madrid. \nEl cartel de este año es obra del pintor segoviano Alberto Reguera\, quien generosamente la ha cedido al festival y colabora en su presentación gráfica. Es una pintura expandida\, matérica\, en la que la fisicidad del pigmento se torna casi escultórica\, y que sintetiza la apuesta por la creación híbrida. \nYa están disponibles las entradas y abonos para los espectáculos de los Teatros del Canal y Teatro de La Abadía / Corral de Comedias de Alcalá\, un abono progresivo con descuentos de hasta un 50% con la compra de entradas para varios espectáculos. En septiembre se pondrán a la venta las del resto de espectáculos. Toda la información se encuentra disponible en la página web del Festival de Otoño. \n(Texto de Festival de Otoño)
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SUMMARY:Infidèles
DESCRIPTION:Autor:  Ingmar Bergman. \nIntérpretes: Ruth Becquart\, Robby Cleiren\, Jolente De Keersmaeker y Frank Vercruyssen. \nCompañía: tg STAN / de Roovers (Bélgica). \nProducción: Una coproducción del Festival D’Automne (París)\, Théâtre de la Bastille (París) y Théâtre Garonne (Toulouse).  \nFechas: 11 y 12 de noviembre de 2022. \nIdioma:  flamenco (con sobretítulos en español. \n40º Festival de Otoño \n\n\n \n\n\n\n\n\n “La última vez que tg STAN visitó el Festival de Otoño fue en 2014\, con su tentativa sobre Traición\, de Harold Pinter. Había estado también en 2012 y 2008. Era justo que la compañía belga volviera en esta cuadragésima edición\, y por partida doble. Hablaremos aquí de Infidèles\, a partir de un texto de Ingmar Bergman\, pero no está de más recordar -que la memoria cotiza a la baja en estos tiempos de presente radical y volátil- que tg STAN se fundó en 1989 y ha sido conocida y reconocida en todo el mundo; que suelen trabajar sin director de escena; que una de sus fundadoras\, Jolente De Keersmaeker\, es hermana de Anne Teresa De Keersmaeker\, la prestigiosa coreógrafa de la compañía Rosas\, emblema de la danza contemporánea. Y que el director y dramaturgo Tiago Rodriges trabajó con ellos durante un tiempo. Datos\, curiosidades\, que dan una idea ligera sobre el talento atesorado y sobre lo que podemos esperar de ellos. Ah\, por cierto\, STAN es el acrónimo de Stop Thinking About Names (Deja de pensar en los nombres). \nNo es fácil dejar de pensar en nombres como Ingmar Bergman\, cineasta y escritor sobre cuyos textos ya han trabajado antes dos veces De Keersmaeker y compañía (llevando a escena Después del ensayo\, en 2016\, y Escenas de la vida conyugal\, en 2013). Y en esta ocasión se les suma como actor y coproductor Robby Cleiren\, de la compañía -también belga- de Roovers; Cleiren compartía con tg STAN el deseo de profundizar en la obra del autor sueco\, que en este guion que escribió en 1996 (llevado al cine por la insigne Liv Ullmann) se introduce a sí mismo como narrador que dialoga directamente con sus personajes. Juntos han explorado esta sutil dimensión autobiográfica del original\, pero no con ánimo psicologista\, sino para ver cómo desde dentro también disecciona sin piedad las relaciones humanas\, él incluido. Han buscado esa lectura teatral desinhibida donde cabe la vitalidad y el humor\, pese a la dureza de los diálogos\, con el fin de levantar un homenaje sin afectación\, sin idolatría\, desde el respeto y la admiración\, al creador de joyas como Persona\, El séptimo sello o Fresas salvajes. \nAl principio de la película de Liv Ullmann se incluía una frase del escritor y dramaturgo alemán Botho Strauss: “No hay ningún fracaso\, ni la enfermedad ni la ruina profesional o económica\, que tenga un eco tan cruel y profundo en el inconsciente como un divorcio”. Ullmann y Bergman habían sido pareja tres décadas atrás (relación de la que nació su hija Linn Ullmann) y la historia juega desde el principio a un ajuste de cuentas por parte de un Bergman ya en retirada. La magia de la ficción convoca a los personajes. El viejo Bergman convoca a Marianne y le pide que confiese su infidelidad. En la película\, Marianne monopolizaba la palabra y hablaba largo y tendido. Para esta adaptación escénica\, las líneas se amplían\, se alimentan con otros textos y elementos del guion\, se redistribuyen y son asumidas por cuatro actores\, con el fin de reequilibrar el diálogo y dar más espacio a la voz de Bergman. Esos otros textos proceden de Linterna mágica\, la autobiografía del cineasta\, un libro que hablaba\, sin asomo de complacencia\, de sí mismo y de los artistas que conoció a lo largo de su vida. También de sus fracasos y de la inspiración que siempre fue Bach para él\, de quien recuerda que\, al volver de un largo viaje\, se enteró de que su mujer y dos de sus hijos habían muerto\, y solo acertó a gritarle al cielo: “Dios\, haz que mi alegría permanezca”. Bergman confiesa haber vivido persiguiendo esa misma alegría y este espectáculo se desarrolla como una composición musical de voces que exploran las múltiples variaciones en torno al tema central\, que no es otro que el propio Ingmar Bergman”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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SUMMARY:Cómo convertirse en piedra
DESCRIPTION:Dramaturgia:  Manuela Infante. \nDirección:  Manuela Infante. \nIntérpretes: Marcela Salinas\, Aliocha de la Sotta\, Rodrigo Pérez. \nCompañía: Manuela Infante (Chile). \nFechas: 11 y 12 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \n\n\n \n\n\n\n\n\n “Cuando decimos eso tan rimbombante de ‘el gran teatro del mundo’\, no incluimos ahí ni a las plantas ni a los seres inertes. Manuela Infante sí. La directora\, dramaturga\, músico y guionista chilena lleva unos años entregada a la tarea de pensar y hacer un teatro no-humano o post-antropocéntrico. Cuidado\, no se trata de un teatro poshumanista\, consagrando los haceres y sentires humanos a las máquinas. No\, se trata de una crítica a la mirada antropocéntrica y al modo en que los seres humanos nos relacionamos entre nosotros y con otros habitantes de este nuestro mundo. O incluso de otros\, porque Marte tiene una cierta presencia en Cómo convertirse en piedra. No digo más. Tampoco le anima incluir deliberadamente una perspectiva ecologista en estas últimas obras que está montando. “A mí lo que me moviliza -explica- tiene que ver con explorar y vulnerar la frontera entre humanidad y no humanidad. Entender cómo es que fuimos inventando esta idea de la naturaleza como algo exterior y\, por lo tanto\, explotable”. \nEste interés y el trabajo que alienta\, esta exploración especulativa\, comienzan cuando Manuela Infante deja la compañía Teatro de Chile\, en la que estuvo entre 2002 y 2016 y que la colocó en el lugar artístico del que hoy disfruta. En ese mismo 2016 estrena Realismo\, obra bisagra entre una etapa y la siguiente\, en la que ya se pone en crisis la noción moderna del ser humano como medida de todas las cosas. En 2017 estrena Estado vegetal\, donde las protagonistas son las plantas. En 2021 pone en escena Cómo convertirse en piedra y ya en enero de este 2022 sigue la colección con Fuego\, fuego\, estrenada en el Teatre Nacional de Catalunya\, que\, como su título indica\, se ocupa de ese elemento tan controvertido y tan ambivalente en la vida del planeta. El experimento no acaba en las temáticas elegidas\, sino que se busca también que lo formal\, que lo dramatúrgico\, se vea involucrado sacudiendo también los esquemas establecidos\, que son\, claro\, profundamente humanos. Si rompes una piedra por la mitad y sabes leerla\, encontrarás el dibujo del paso del tiempo creado por la sedimentación y los fenómenos geofísicos que determinan el lugar\, forma\, peso o textura de una simple roca. ¿Cómo lleva ese mecanismo al teatro? \nInfante tiene una metodología que ella llama “imitar la no humanidad con el cuerpo de la obra”. Para hablar de piedras\, recoge de las propias piedras la forma en la que va a hablar de ellas\, recoge de lo que observa los medios formales a través de los que hablará de lo observado. Llevando un paso más allá la idea aristotélica de mímesis\, propone modelos de actuación y narración imitando ese apilamiento de capas aglomeradas por efecto del paso del tiempo. La herramienta principal es el loop. Con un pedal de loops\, cada uno de los tres actores de la obra va superponiendo niveles narrativos y de acción. Además\, los personajes son una suma de ser vivo y no-vivo\, porque cada uno carga con su cadáver\, están duplicados. A través de improvisaciones\, se fueron extrayendo\, como minerales\, las palabras y las situaciones que quedaron luego fijadas en la obra. Se genera una dramaturgia ramificada donde tanto cuentan las sonoridades (muy trabajadas por ella misma\, como músico que es) como los materiales y las relaciones entre lo humano y lo no humano que hay en escena. Esa suerte de dramaturgia mineral extractivista (que alberga una crítica a su vez contra el extractivismo del capitalismo patriarcal con respecto a la Tierra y a la feminidad) se revela feminista por lo formal. “Veo mucho esfuerzo -explica la autora- por escribir narrativa feminista\, dramaturgia feminista\, y resulta casi siempre en ejercicios de tematización de los problemas del feminismo. Me parece más poderoso -en términos de cambiar el patriarcado- pensar desde nuestras disciplinas en modificar las estructuras formales. Son maneras de cuestionar las formas dramáticas hegemónicas que nos han sido entregadas por una cultura teatral y literaria que es patriarcal y antropocéntrica. Gran parte de cuestionar el paradigma de lo humano es cuestionar la supremacía masculina\, blanca\, europea\, especista. Están todas amarradas\, no son independientes”. Lo dice una creadora que\, pese a tener muchos teatros europeos poniéndole guita y medios para trabajar\, prefiere seguir viviendo en Chile\, con toda su precariedad a cuestas\, para no dejar de tener esa voz y esa mirada decolonial desde un sur global que puede plantearse cómo convertirse en una piedra\, cómo estar más cerca de lo otro\, lo no humano”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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SUMMARY:Petróleo
DESCRIPTION:Dramaturgia:  Piel de Lava y Laura Fernández. \nDirección:  Piel de Lava y Laura Fernández. \nIntérpretes: Elisa Carricajo\, Valeria Correa\, Pilar Gamboa y Laura Paredes. \nCompañía: Piel de Lava (Argentina). \nFechas: 11 y 12 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \n\n\n \n\n\n\n\n\n “Petróleo pone en escena el día a día de un grupo de hombres que trabajan aislados en un yacimiento petrolero de la Patagonia argentina. Su dinámica cotidiana se ha visto alterada porque uno de ellos se acaba de incorporar recientemente a esta labor extrema. Conviven en un tráiler\, a solo unos metros del pozo\, que está ya casi vacío (interesante metáfora tangencial). Ahí abajo se sigue penetrando violentamente la tierra para sacarle hasta la última gota de oro negro. Arriba\, el tiempo libre se cubre de polvo. Es la quinta obra de la compañía argentina Piel de Lava\, un colectivo que ha basado su trabajo (desde que empezaron allá por 2003) en la búsqueda de un método de creación colectiva\, indagando en los mecanismos de la actuación y en la dramaturgia grupal. Sus componentes son cuatro mujeres\, cuatro actrices que lo gestionan todo\, que disfrutan de una fuerte conexión personal y laboral\, y que para su quinta pieza decidieron meterse en la piel de cuatro hombres que trabajan en la extracción de petróleo\, allá en la fría Patagonia. \nSucedió en 2018\, el gran año de Elisa Carricajo\, Valeria Correa\, Pilar Gamboa y Laura Paredes\, las cuatro integrantes de Piel de Lava. No solo estrenaron Petróleo sino que remontaron sus cuatro piezas anteriores para ofrecerlas todas juntas\, a modo de retrospectiva\, en el Teatro Sarmiento bonaerense. Y para coronar un año inolvidable\, recibieron\, las cuatro\, el premio a las mejores actrices en el BAFICI\, el festival internacional de cine independiente de la capital argentina\, por su participación en la monumental La Flor\, una película de Mariano Llinás que se estuvo rodando durante 10 años y dura 12 horas. En Petróleo hay una quinta mujer\, la quinta beatle\, como suelen llamarla\, Laura Fernández\, que no actúa pero colabora en la dirección y la dramaturgia. La idea de ser hombres no tenía un fin caricaturesco ni satírico\, fue un reto interpretativo que se pusieron a sí mismas y que partía de un deseo lúdico. Mariano Llinás dijo de ellas que juntas\, las cuatro\, eran una máquina de ficción infinita. Habían hecho de todo. ¿De todo? Lo explica Laura Paredes: “Hacer de hombres era un poco también por el chiste. Dijimos: ¿Qué cosas no hicimos? Bueno\, dentro de esas infinitas posibilidades de la ficción\, probemos a ser hombres. Luego eso derivó en una reflexión de género\, que es un tema que nos interesaba mucho”. \nParedes interpreta a Montoya\, “un débil un tanto mentiroso\, un tipo que se esfuerza por sostener su masculinidad”\, le describe ella. Elisa Carricajo se encarga de El Palla\, un machote\, como todos\, con un rollo muy de cabecilla sindical. Valeria Correa da vida a El Formo\, que\, según ella\, “aparenta ser mansito\, pero es puro fuego”. Finalmente\, Pilar Gamboa hace de El Carli\, “medio líder\, medio machirulo”. La obra no renuncia a transitar cuestiones que relacionamos con el llamado realismo social: ahí está la mirada del obrero\, los conflictos de una comunidad de trabajadores frente a una industria todopoderosa. Pero al final esto es una cuestión de cuerpos y sensibilidades\, las masculinas y las femeninas\, las que se exacerban artificiosamente y las que se ocultan celosamente. Como decía la crítica del periódico argentino Página12\, “hacer de lo masculino un efecto de la actuación implica mostrar la construcción\, volver extraño un comportamiento normalizado. La experiencia ensambla la empatía y la posibilidad de distanciarse\, de señalar la hechura de aquello que se acepta como masculino”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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SUMMARY:Talaré a los hombres de la faz de la tierra
DESCRIPTION:María Velasco se hizo merecedora\, gracias a esta obra\, del Premio Max a Mejor Autoría Teatral en la última edición de los galardones escénicos más importantes de nuestro país\, un aval más para un texto formidable que su propia autora se ha encargado de poner en escena subrayando el compromiso con la feminidad y con la Naturaleza\, ambas amenazadas por un mundo toscamente masculinizado y extractivista. Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra pone en relación la violencia emocional y sexual con la violencia sobre el medio ambiente . Se erige como una historia\, con base autobiográfica\, de empoderamiento por lo verde\, protagonizada por una espléndida Laia Manzanares\, acompañada en escena por Joaquín Abella\, Miguel Ángel Altet\, Fran Arráez y Beatrice Bergamín. Pero la obra es mucho más y es todo a la vez\, es su tema\, su autora\, su texto\, sus actores y actrices\, y es también un ecosistema de sentido al que se suma la música (Peter Memmer)\, la danza (Joaquín Abella)\, la plástica (Marcos Carazo) y las artes visuales (Elena Juárez). Y es sobre todo la historia de la dolorosa adquisición de la voz propia contra el lenguaje materno y la historia de una educación emocional fallida. \n(Texto de Festival de Otoño) \n \nAutora: María Velasco.\n \nDirección: María Velasco. \nIntérpretes: Laia Manzanares\, Joaquín Abella\, Miguel Ángel Altet\, Fran Arráez (La Toñi) y Beatrice Bergamín. \nProducción: María Velasco (Pecado de Hybris) y Openfield Business. \nFechas: 11 de noviembre de 2022.
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LOCATION:Teatro Villa de Móstoles\, Plaza de la Cultura\, 1\, Móstoles\, Madrid\, 28934
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SUMMARY:El Palmeral
DESCRIPTION:Para trazar una sinopsis de la obra debemos viajar 1000 años atrás. España no existía\, lo que había en la península ibérica entonces se llamaba Al-Ándalus\, un territorio que vive en aquel tiempo un periodo de guerras civiles que culmina en la desmembración que conocemos como reinos de taifas. En ese allí y entonces\, un funcionario de una pequeña corte\, el historiador y poeta Abu Hâssan\, se enamora de un soldado\, Tahir\, y como consecuencia de esta pasión ambos son degollados públicamente en un palmeral. Podríamos decir que hoy ya no se mata -con escarnio público incluido- a las personas que deciden libremente cómo y a quién amar. Pero no hemos evolucionado tanto mil años después. El que denuncia a Hâssan es Khalid\, su discípulo y cuñado de Tahir\, hermano de la esposa de éste\, Aisha. El castigo dictado debe ser ejemplar\, por ser Hâssan funcionario del taifa. Primero verá cómo matan a su amante y luego lo matarán a él. Entre una ejecución y otra discurre esta pieza\, narrada\, como lo definen los propios responsables del montaje\, a través de un caleidoscópico ‘rashomon’ de siete voces que cuentan la historia con el fin de reconciliarse con el dolor que ha provocado\, de comprender y arrojar luz. \n(Texto de Festival de Otoño\, extracto) \n \nAutor: Albert Tola.\n \nDirección: Jorge Hugo Marín. \nIntérpretes: Ella Margarita Becerra\, José Saeed Pezeshki y Santiago Lozano. \nCompañía: La Maldita Vanidad. \nFechas: 12 y 13 de noviembre de 2022.
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SUMMARY:París 1940
DESCRIPTION:París 1940. Creo acertado y oportuno\, en estos momentos en que la sociedad\, cada vez más olvidadiza de su historia\, parece resaltar como ejemplo y valor máximo el triunfo hipermediático\, rápido y masivo\, que le ofrece la digitalización\, los tweets o las fakes news\, gracias al big data\, big pharma y big finances\, pararse a reflexionar sobre nuestro arte dramático. \nProfundizar en él no únicamente hacia los que practicamos su aprendizaje\, sino también hacia el público que lo recibe en vivo. Cuestionarnos sobre nuestro oficio\, sobre nuestra realización a través de él o gracias a él. \n(Texto de Josep Maria Flotats\, en Teatro Español) \n \nAutor: Louis Jouvet. Según el Elvire-Jouvet 40 de Brigitte Jaques. \nDirección: Josep Maria Flotats. \nIntérpretes: Francisco Dávila\, Josep Maria Flotats\, Natalia Huarte\, Arturo Martínez Vázquez y Juan Carlos Mesonero. \nProducción: Teatro Español. \nFechas: del 17 de noviembre de 2022 al 8 de enero de 2023.
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LOCATION:Teatro Español (Sala Principal)
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SUMMARY:Lectura fácil
DESCRIPTION:Dramaturgia: Alberto San Juan\, a partir de la novela de Cristina Morales. \nDirección: Alberto San Juan. \nIntérpretes: Laura Galán (en sustitución de Carlota Gaviño los días 28\, 29 y 30 de diciembre y 3\, 4\, 7 y 8 de enero)\, Carlota Gaviño\, Pilar Gómez\, Marcos Jareño\, Anna Marchessi\, Pablo Sánchez\, Estefanía de los Santos\, Desiree Xelma y otros por confirmar . \nProducción: Centro Dramático Nacional y Bitò Produccions.\n \nFechas: del 18 de noviembre de 2022 al 8 de enero de 2023. \n \n\n“Lectura fácil es una adaptación teatral de la novela homónima de Cristina Morales. Un texto que ha recibido el Premio Nacional de Narrativa y ya va por su nosécuántoava edición. Un artefacto explosivo que ha de mantener su potencia inflamable al pasar del libro al escenario. \nLectura fácil es una comedia sobre cuatro chicas que comparten piso. Un relato sobre cuatro personas no normales\, es decir\, con grandes dificultades para adaptarse a las normas. Cuatro personas marcadas por distintos diagnósticos de discapacidad asociados a trastornos mentales: Nati\, Patri\, Ángeles y Marga. Una jueza abre un proceso para decidir si se ha de proceder a la esterilización forzosa de Marga. Marga escapa y ocupa una casa abandonada. La policía inicia su búsqueda. \nLectura fácil es\, al menos en esta versión\, un relato sobre el deseo de vivir y las dificultades de llevarlo a cabo en un sistema diseñado contra lo vivo. Un sistema qué determina qué es la vida\, quién puede vivirla y cómo. Lectura fácil es un relato sobre el poder y la necesidad de reírnos mientras chocamos contra el muro al intentar abrir un agujerito por el que asomarnos a la vida. Aunque cómo dice Cristina Morales que dice Mónica Valenciano\, para desplazar los muros\, exteriores e interiores\, además de empujar o chocar\, también se puede probar a acariciar. Las estrategias para ensanchar los espacios vitales necesarios son infinitas. Sigamos explorando”. \n\n(Texto de Alberto San Juan\, en web de CDN).
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LOCATION:Teatro Valle-Inclán (Sala Grande)\, Plazuela de Ana Diosadado\, s/n\, Madrid\, Madrid\, 28012
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SUMMARY:Circlassica\, Leyendas de Asia
DESCRIPTION:Producción: Productores de Sonrisas. \nFechas: del 18 de noviembre de 2022 al 15 de enero de 2023. \n \n“Circlassica\, Leyendas de Asia despliega todo un universo acrobático del más altísimo nivel con números aéreos\, acrobacias sin límites e imposibles contorsiones llegados de las mejores escuelas de circo\, como la china o la mongolia. \nTodo un universo acrobático del más altísimo nivel con números aéreos\, acrobacias sin límites e imposibles contorsiones. \nUna vez más\, Productores de Sonrisas\, nos presenta una sorprendente puesta en escena donde un espacio escenográfico de viejas y majestuosas pagodas\, melodías del pasado y un vestuario que respira su cultura nos trasladará al enigmático mundo de Asia”. \n(Texto de Productores de Sonrisas)
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LOCATION:IFEMA – Feria de Madrid
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SUMMARY:F.O.M.O (Fear Of Missing Out) - (Trilogía Colectivo Fango I)
DESCRIPTION:Coordinación dramatúrgica: Sergio Martín Vila. \nDirección: Camilo Vázquez. \nProducción: Colectivo FANGO. \nReparto: Ángela Boix\, Fabia Castro\, Trigo Gómez\, Rafuska Marks\, Manuel Minaya. \nFechas: del 23 al 27 de noviembre de 2022. \n\n\n“Colectivo Fango regresa a los Teatros del Canal en la Temporada 22-23\, esta vez con su trilogía completa sobre la búsqueda de la identidad a través del tiempo\, tres piezas en las que se exploran las implicaciones del “yo’ en relación al presente (F.O.M.O.\, Fear of missing out)\, el pasado (Tribu) y el futuro (La espera). \nLa trilogía\, que se representará entre el 23 de noviembre y el 11 de diciembre en la Sala Negra de los Teatros del Canal\, cuestiona quiénes somos en relación a los tres planos temporales\, generando espacios escénicos en los que la construcción de lo identitario y los vínculos con lo grupal y con el universo son mostrados en su total magnitud. \nColectivo Fango está formado por el director y creador Camilo Vásquez y por las actrices y actores creadores Ángela Boix\, Trigo Gómez\, Rafuska Marks\, Fabia Castro y Manuel Minaya\,  con la coordinación dramatúrgica de Sergio Martínez Vila. \nCompletan la ficha técnica y artística:  Ayudante de Dirección y Regiduría\, Laura Garmo.  Dirección Técnica e Iluminación\,  Juan Miguel Alcarria.  Escenografía: Silvia de Marta\, Nicolás Augusto (Ayudante de Escenografía La espera). Vestuario: Elisa Vidal Riezu. Cuerpo y Movimiento (Tribu): Natalia Fernandes. Coordinación de Producción: Elena Martínez. Foto y Vídeo: Danilo Moroni & Juan Carlos Toledo. \nF.O.M.O.(Fear of missing out) (miedo a perderse algo o a quedar excluido) es la pieza de arranque de esta trilogía\, se representará desde el 23 al 27 de noviembre\,  es una sucesión de piezas individuales donde cada intérprete se pone en cuestión así misma/o en el momento presente.  Cada uno de ellos/as se pregunta cómo se pone en relación en la era digital: ¿Qué sucede con la imagen que yo mismo creo de mí ¿Qué lugar ocupa mi cuerpo en el espacio virtual? ¿Cómo me comunico en las redes sociales? ¿Qué entrego de mí al hacerlo? ¿Hay algo a lo que no puedo renunciar de mi al participar en él? ¿Qué significado tienen lo personal y lo político? ¿Cómo me repercute personalmente e íntimamente esta relación? ¿Cómo me percibo a mí mismo? ¿Cómo percibo el mundo en el modelo digital?. \nTribu\, con funciones del 29 de noviembre al 4 de diciembre\, expresa la necesidad de conectar con los otros\, es un viaje hacia el origen y la memoria. En Tribu\, un grupo de amigos que se reúnen para comer y beber juntos acaban generando una suerte de pacto común que les lleva de vuelta a un estado primigenio y esencial. El lenguaje que utilizan deja de servirles; sus formas de estar consigo mismos y con los demás cobran nuevos sentidos…y desde ese vacío sus cuerpos ensayan una convención nueva y vieja a la vez. El espacio de encuentro inicial se transforma\, por tanto\, en un espacio sagrado\, en un no-lugar para la comunión. Tribu es un rito\, una invocación de energía\, un anhelo compartido de conexión. \nLa espera\, una coproducción de Teatros del Canal\,  con la colaboración del Teatro de la Abadía y con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid que se estrenó en 2021 en los Teatros del Canal con gran éxito de crítica y público\, cierra el ciclo con funciones  del 7 al 11 de diciembre. \nEn La espera\, cinco personas se transforman\, respectivamente\, en una chamana\, una miss-samurái\, una diva del show business\, un político de la nueva era y un guía espiritual-musical\,  ante la llegada de un gran cambio\, y para sortear con éxito sus desafíos. Todos esperan que algo suceda: un avance\, un reinicio\, una catástrofe\, un ajuste de cuentas\, una respuesta. Mientras tanto\, participan de un juego de competición en el que solo puede quedar uno\, como si ganar algo fuesen solo las migajas y ganar al resto\, lo fundamental. Pero ¿hay alguien a quien ganar? ¿Qué sucede cuando el futuro llega y te pilla disfrazado? ¿Puede uno no estar disfrazado? ¿Puede uno hacer algo que no sea esperar?. \n(Texto de Colectivo Fango)
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LOCATION:Teatros del Canal (Sala Negra)\, C/ Cea Bermúdez\, 1\, Madrid\, Madrid\, 28003
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SUMMARY:887
DESCRIPTION:Autor: Robert Lepage.\n \nDirección: Robert Lepage. \nEn escena: Robert Lepage. \nProducción: Ex Machina. \nFechas: del 24 al 26 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \n \n“Hay dos artistas canadienses que admiro profundamente. Uno es Neil Young. El otro\, claro\, Robert Lepage. Uno anglófono. El otro francófono. Dos almas solitarias rodeadas de gente y siempre buscando dar salida a un torrente poético y político que les hierve dentro. Nada tiene que ver Neil Young con este montaje\, pero si pienso en Lepage\, me acuerdo de él. Y si pienso en Lepage -disculpen que hable tanto de mí- me acuerdo de mi primer Festival de Otoño\, hace casi 20 años\, cuando la edición de 2003 se inauguró en los Estudios El Álamo con las seis benditas horas de La trilogía de los dragones. Inolvidable. ¿Inolvidable? ¿De qué me acuerdo exactamente? ¿De una o dos escenas? ¿Del acceso de llanto que tuve en el primer intermedio? ¿De un puñado de sensaciones? El carácter eminentemente caprichoso de la memoria humana sí es uno de los temas principales de 887\, la más autobiográfica de las obras de Lepage\, escrita\, dirigida e interpretada por él mismo. \nEl creador quebequés y su compañía Ex Machina son nombres históricamente ligados a este festival y era de justicia justicia incluir en la edición número 40 una obra suya. 887 es el número de la Avenida Murray de Quebec en el que estaba el estrecho apartamento donde vivió Lepage de niño junto a sus tres hermanos\, sus padres y su abuela enferma. Una familia de clase trabajadora que revive en este montaje gracias a la magia escénica que despliega Ex Machina como ninguna otra. Porque Lepage no es que utilice la tecnología\, es que hace magia con ella y es capaz de seducirnos y conquistarnos\, conmovernos y entusiasmarnos hasta ser como niños otra vez abriendo mucho la boca de asombro y sintiendo cosas nuevas que no acertamos a definir. Y todo con un nivel de sofisticación y pulcritud en la puesta en escena que pocos pueden igualar. \n887 es\, pues\, una incursión en el mundo de la memoria. De la memoria como mecanismo de supervivencia y de la memoria como herramienta artística\, sobre todo en el caso de los actores. También hay una pregunta sobre cómo encuentra un recuerdo personal un eco en la memoria colectiva. Todos esos nombres de calles\, de parques\, de monumentos buscan fijar una idea en la memoria de lo que ya pasó. ¿Quién decide lo que debemos recordar y lo que no? ¿Por qué persiste en nuestra memoria la información trivial y otra información más útil se escapa? La cara oculta del recuerdo es el olvido\, pero vivimos tiempos extraños\, pues dejamos que se nos olviden muchas cosas porque hay un mecanismo planetario de almacenamiento digital que atesora montañas de datos\, el petróleo del siglo XXI. Todas estas cuestiones se destilan en una narración en la que Lepage\, a caballo entre el teatro y la conferencia\, expone al espectador los tormentos de un actor que\, para sobrevivir\, debe recordar\, primero el texto que nos está diciendo\, y luego su pasado\, la realidad histórica y social que hereda y habita. \nLa obra arranca con un momento curioso\, donde Lepage intenta recitar un poema en un evento público de Montreal\, pero le cuesta dios y ayuda aprenderse aquellos versos. Es esa dificultad lo que le pone a rumiar pensamientos sobre la memoria y el envejecimiento. Y de ahí la importancia de lo que recordamos y cómo lo recordamos\, individual y colectivamente. “A lo largo de la historia -relata el propio Lepage- el primer paso que da un régimen totalitario para asegurar la completa erradicación de una cultura es la quema de libros\, a la que suele seguir el asesinato de cantautores\, narradores y actores\, que llevan dentro la memoria viva de las canciones\, los poemas y las obras teatrales”. Pensar en la memoria es empezar a recordar también\, es viajar inevitablemente a la infancia y al tiempo histórico en el que se nace\, por lo que Lepage aterriza en los años de la crisis de identidad de Quebec\, “como si los recuerdos más lejanos de los acontecimientos íntimos estuvieran incompletos sin el contexto social en el que tuvieron lugar. 887 es para mí\, una vez más\, un humilde intento de interesarme por la historia con h minúscula para entender mejor la historia con H mayúscula”. \n(Texto de Alberto Conejero\, director del Festival de Otoño)
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LOCATION:Teatro del Bosque (Móstoles)\, Glorieta de Europa\, s/n\, Móstoles\, Madrid
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SUMMARY:Ana contra la muerte
DESCRIPTION:Autor: Gabriel Calderón. \nDirección: Gabriel Calderón. \nIntérpretes: Gabriela Iribarren\, Marisa Betancur y María Mendive. \nProducción:  Matilde López Espasandín. \nFechas: del 25 al 27 de noviembre (Festival de Otoño) y del 29 de noviembre al 4 de diciembre de 2022 (programación Abadía). \nHorarios: de martes a sábado\, 20:00h. Domingos\, 19:30h. \n \n“No sé si es posible generalizar en esto\, pero a muchas personas les pasa: tener hijos es vivir con una sombra de temor constante\, o dicho con mayor claridad\, miedo a que se mueran. Y luego\, cuando ocurre\, nos sigue pareciendo tan antinatural que ni siquiera usamos una palabra concreta para referirnos al padre o la madre que ha perdido un hijo\, no hay un ‘viudo’ o una ‘huérfana’ que lo nombre. Nombrar\, ya lo sabemos\, es convocar. Y esta obra\, desde su título\, convoca a la innombrable para echarle un pulso y se convierte\, como ha dicho alguien en la prensa uruguaya\, en una experiencia tan devastadora como imprescindible. Una obra de resistencia frente a lo inevitable escrita por un hombre que acaba de perder a su hermana de 35 años. Gabriel Calderón es ese hombre. En una entrevista dijo: “necesitaba distraerme en la teatralidad para no hundirme en el dolor”. Y escribió su obra dramatúrgicamente más convencional\, a base de diálogos entre tres mujeres\, sobre el calvario de una de ellas\, Ana\, que ve cómo su hijo se apaga enfermo de cáncer. Un desplazamiento poético para transformar el dolor en arte sin tener que contar directamente la historia propia. \nLa obra se escribió\, se ensayó y se estrenó en 2019 en el Espacio Palermo de Montevideo. Otro periodista de allá escribía en aquel entonces que Ana contra la muerte “conmueve hasta la médula por su riqueza literaria\, su madurez creativa\, su síntesis conceptual y su contundencia emotiva. Estamos ante el estreno de una obra que\, ni bien ceda la pandemia\, seguramente recorrerá el mundo”. Pues bien\, aquí está\, en su recorrido por el mundo\, haciendo parada en Madrid. Lo hubiera hecho igual\, quizás\, sin pandemia\, pues Gabriel Calderón es ya\, con el permiso de su amigo y compañero Sergio Blanco\, un puntal del teatro uruguayo. Y no menos lo son las tres actrices que ponen voz y carne a esta obra: Gabriela Iribarren\, Marisa Betancur y María Mendive\, un dream team de la escena uruguaya que\, juntas\, cuajan un trabajo absolutamente conmovedor. \nEs una obra dura\, no nos vamos a engañar\, una obra sobre una madre que confiesa que sería capaz de “robarle la enfermedad” a su hijo con tal de salvarle. Probablemente lo haría cualquier madre. Las actrices tenían problemas para aprenderse el texto porque hay dos o tres escenas en las que es imposible no llorar. Cuenta Calderón que en los ensayos dejaba que ocurriera\, lloraban juntos un rato y luego seguían con el trabajo. Pero Ana contra la muerte no es un drama sentimental\, aunque nos haga mucha falta llorar\, sino que es un grito metafórico atravesado por otras muchas cuestiones. Cuestiones filosóficas de un lado\, porque se plantea qué hay detrás del rechazo a la muerte tan consustancial al ser humano. Cuestiones psicológicas\, porque se plantea qué hay detrás de esa manipulación de la memoria que\, consciente o inconscientemente\, quizás en defensa propia\, llevamos a cabo tantas veces. El texto de la obra\, en cierto momento\, dice: “hay recuerdos lindos que las palabras despiertan\, que nos hacen reír y respiramos mejor\, pero también hay recuerdos peligrosos”. Y cuestiones políticas\, porque además Ana es\, podríamos decir\, pobre\, o solo carente de una serie de privilegios que disfrutan otras personas y que a ella se le niegan. La sacudida que\, como espectador\, recibe uno viendo esta obra es de órdago y hay que ser muy insensible para no salir\, si no transformado\, al menos tocado. Calderón quiso escribirla a la manera clásica\, pensando en esos diálogos entre el coro y el actor de los albores del teatro. Y nos regala una catarsis de manual”. \n(Texto de Teatro de La Abadía)
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LOCATION:Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso)\, C/Fernandez de los Ríos\, 42\, Madrid\, Madrid\, 28015\, España
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SUMMARY:Entre chien et loup
DESCRIPTION:Dramaturgia\, dirección y adaptación escénica: Christiane Jatahy. \nIntérpretes: Véronique Alain\, Julia Bernat\, Paulo Camacho\, Azelyne Cartigny\, Philippe Duclos\, Vincent Fontannaz\, Delphine Hecquet\, Viviane Pavillon\, Matthieu Sampeur y Valerio Scamuffa. \nProducción: Comédie de Genève. \nFechas: del 25 al 27 de noviembre de 2022.  \n40º Festival de Otoño \n \n\n“Para no sufrir más la opresión de un régimen que gira hacia el fascismo\, Graça se va. Encuentra refugio en una comunidad\, presente en el escenario de un teatro\, que quiere experimentar con el tema de la película Dogville de Lars von Trier: la acogida del otro. ¿Será acogida de forma diferente por esta comunidad? ¿Logrará escapar de los modos de explotación que el individuo despliega dentro de una sociedad capitalista? \nTejiendo nuevamente vínculos entre cine y teatro\, la directora brasileña Christiane Jatahy ofrece un juego inquietante con inversiones constantes\, operado por las ambigüedades de los personajes y la presencia desestabilizadora de la pantalla y la cámara en el escenario. A través de este dispositivo escénico\, la artista desplaza las perspectivas de la obra del cineasta danés. Al poner un espejo frente a los mecanismos del fascismo\, Christiane Jatahy prosigue con sus inquietudes sobre las cuestiones centrales de nuestro tiempo\, en la continuidad de un presente desbordante”. \n (Texto de CDN)
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LOCATION:Teatro María Guerrero
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SUMMARY:Dans la mesure de l'impossible
DESCRIPTION:Texto: Tiago Rodrigues.\n \nDirección: Tiago Rodrigues. \nTraducción: Thomas Resendes. \nIntérpretes: Adrien Barazzone\, Beatriz Brás\, Baptiste Coustenoble\, Natacha Koutchoumov y Gabriel Ferrandini (músico). \nProducción: Comédie de Genève. \nFechas: 26 y 27 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \nFoto: Magali Dougados\n“Más que nunca\, esta obra responde al concepto teatral del director y dramaturgo portugués Tiago Rodrigues\, para el que todo esto no es más\, ni menos\, que una asamblea humana\, un lugar para reunirse\, compartir ideas y pasar tiempo juntos. Inclinado siempre hacia un trabajo horizontal y colaborativo\, antes de la pandemia alumbró la idea\, junto a los actores y actrices de La Comédie de Ginebra (productora del espectáculo\, allí se estrenó en febrero de este año)\, de trabajar sobre la labor humanitaria de organizaciones como Cruz Roja o Médicos sin fronteras\, buscando quizás entender ese impulso de acción sin contrapartida\, ese querer un mundo mejor sabiendo que no es posible cambiarlo\, esa pulsión íntima cuya satisfacción está en sentir que se ayuda\, que se asiste\, que se está para los que necesitan como ningún otro la humanidad. El propio Rodrigues iba a enrolarse en misiones de estas organizaciones\, pero la crisis vírica lo impidió. Y\, según él mismo reconoce\, ha sido mejor así: “Habría vuelto lleno de certezas\, con la impresión de haberlo visto todo\, de poder contar la verdad sobre el mundo”. Cuántos turistas del sufrimiento que sepultan en selfies y stories la auténtica labor desinteresada… \nNo le tocaba a él contarlo\, sino ser un transmisor\, una suerte de médium. Ante la imposibilidad de viajar\, el director inicia una serie de reuniones en Ginebra con delegados de organizaciones humanitarias que le cuentan sus experiencias en diversos lugares del mundo. Esas historias encierran una forma de percibir el mundo y una forma de percibirse a sí mismos en relación con las duras realidades que han de vivir y compartir en sus misiones. Inspirándose en esos testimonios\, Rodrigues va hilando un relato que\, subraya\, “no es teatro documental\, sino teatro documentado\, sin aspirar a producir un ensayo exhaustivo sobre el humanitarismo”. Es un relato que expone los dilemas de un grupo de hombres y mujeres que se mueven entre zonas conflictivas y un hogar tranquilo y seguro\, entre la inmediatez de la acción y la reflexión posterior\, la capacidad de autocrítica y la búsqueda de fuerzas internas para seguir ganándole tiempo a lo que puede estar por llegar. La Historia nos ha demostrado que\, lejos de aprender\, el ser humano siempre puede ir a peor. Pareciera que estas personas de entrega abnegada son cortafuegos de incendios tenaces que siempre encuentran un nuevo foco desde el que arrasar. Pero no se sienten héroes\, ni tampoco es cómodo para ellos asumir ese papel. \nTiago Rodrigues dejó el año pasado la dirección del Teatro Nacional D. Maria II de Lisboa\, cargo que ocupaba desde 2015\, para ser el primer artista no francés que dirige el prestigioso Festival de Avignon. Antes de meterse en faena en esta insigne e inmensa labor de gestión\, dejó terminada Dans la mesure de l’imposible\, una puesta en abismo al calor de una carpa donde los relatos percuten como las baquetas sobre los timbales de una batería (literal\, ahí está aporreando el músico portugués Gabriel Ferrandini junto a los cuatro actores de la obra). Con un trabajo de dirección y dramaturgia escénica reducido a la esencia\, aparentemente sencillo pero soportado en la superposición de capas narrativas\, el público se convierte en testigo de historias no ubicadas geográficamente a propósito\, historias posibles (las del Norte global) e imposibles (las del Sur global). Con furia o con poesía\, o con ambas\, todas las historias conmueven pero no se diluyen en sentimentalismo forzado. Eso reduciría el poder de este encuentro\, porque ese es -volviendo a lo que decíamos al principio- el verdadero objetivo\, el encuentro que transforma. “Si quieres hacer una obra sobre un bosque -explica Rodrigues-\, tienes que contar la historia de un árbol: el público volverá al bosque por sí mismo”. Si vistéis otras obras del portugués como By heart\, Bovary\, Antonio y Cleopatra o Sopro\, corred de nuevo hacia el bosque. Si es vuestro primer árbol\, disfrutad esa irrepetible primera vez”. \n(Texto de director del Festival de Otoño)
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LOCATION:Teatros del Canal (Sala Roja)\, C/ Cea Bermúdez\, 1\, Madrid\, 28003\, España
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SUMMARY:Vuestra\, Jo Van Gogh
DESCRIPTION:¿Quién hoy\, en el mundo actual\, no conoce a Vincent VAN GOGH? \n¿Qué sentiría si le dijera que podemos disfrutar de su obra porque una mujer\, nacida a mediados del siglo 19\, Jo Van Gogh\, la viuda de Teo Van Gogh\, se empeñó́ y dedicó su vida entera a conseguir que las obras de su cuñado\, Vincent\, no se perdieran o fueran destruidas? Sin ella\, es muy posible que Van Gogh no existiera en la historia de la pintura. \n¿Ud. sabe quién fue Jo? \n-Encuentra toda la belleza que puedas-\, me dijo y así empezó todo. \nDesde hace tiempo Jo prefiere estar con “los ausentes” más que con “los presentes\, pero ¿quién nos puede asegurar que\, a menudo\, “los ausentes”\, no son nuestros verdaderos compañeros de vida? \nHoy\, Jo\, tiene algo muy importante que contarle a su marido\, muerto 35 años antes\, unos meses después que Vincent. \n(Texto de Teatro Soho Club) \n \nAutora: Laura Cepeda.\n \nDirección: Guillermo Heras. \nIntérpretes: Laura Cepeda y Aure Sánchez. \nFechas: del 26 de noviembre al 6 de diciembre de 2022. \n 
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SUMMARY:Tribu - (Trilogía de Colectivo Fango II)
DESCRIPTION:Coordinación dramatúrgica: Sergio Martín Vila. \nDirección: Camilo Vázquez. \nProducción: Colectivo FANGO. \nReparto: Ángela Boix\, Fabia Castro\, Trigo Gómez\, Rafuska Marks\, Manuel Minaya. \nFechas: del 29 de noviembre al 4 de diciembre de 2022. \n\nFoto: Danilo Moroni\n\n\n\n“Colectivo Fango regresa a los Teatros del Canal en la Temporada 22-23\, esta vez con su trilogía completa sobre la búsqueda de la identidad a través del tiempo\, tres piezas en las que se exploran las implicaciones del “yo’ en relación al presente (F.O.M.O.\, Fear of missing out)\, el pasado (Tribu) y el futuro (La espera). \nLa trilogía\, que se representará entre el 23 de noviembre y el 11 de diciembre en la Sala Negra de los Teatros del Canal\, cuestiona quiénes somos en relación a los tres planos temporales\, generando espacios escénicos en los que la construcción de lo identitario y los vínculos con lo grupal y con el universo son mostrados en su total magnitud. \nColectivo Fango está formado por el director y creador Camilo Vásquez y por las actrices y actores creadores Ángela Boix\, Trigo Gómez\, Rafuska Marks\, Fabia Castro y Manuel Minaya\,  con la coordinación dramatúrgica de Sergio Martínez Vila. \nCompletan la ficha técnica y artística:  Ayudante de Dirección y Regiduría\, Laura Garmo.  Dirección Técnica e Iluminación\,  Juan Miguel Alcarria.  Escenografía: Silvia de Marta\, Nicolás Augusto (Ayudante de Escenografía La espera). Vestuario: Elisa Vidal Riezu. Cuerpo y Movimiento (Tribu): Natalia Fernandes. Coordinación de Producción: Elena Martínez. Foto y Vídeo: Danilo Moroni & Juan Carlos Toledo. \nF.O.M.O.(Fear of missing out) (miedo a perderse algo o a quedar excluido) es la pieza de arranque de esta trilogía\, se representará desde el 23 al 27 de noviembre\,  es una sucesión de piezas individuales donde cada intérprete se pone en cuestión así misma/o en el momento presente.  Cada uno de ellos/as se pregunta cómo se pone en relación en la era digital: ¿Qué sucede con la imagen que yo mismo creo de mí ¿Qué lugar ocupa mi cuerpo en el espacio virtual? ¿Cómo me comunico en las redes sociales? ¿Qué entrego de mí al hacerlo? ¿Hay algo a lo que no puedo renunciar de mi al participar en él? ¿Qué significado tienen lo personal y lo político? ¿Cómo me repercute personalmente e íntimamente esta relación? ¿Cómo me percibo a mí mismo? ¿Cómo percibo el mundo en el modelo digital?. \nTribu\, con funciones del 29 de noviembre al 4 de diciembre\, expresa la necesidad de conectar con los otros\, es un viaje hacia el origen y la memoria. En Tribu\, un grupo de amigos que se reúnen para comer y beber juntos acaban generando una suerte de pacto común que les lleva de vuelta a un estado primigenio y esencial. El lenguaje que utilizan deja de servirles; sus formas de estar consigo mismos y con los demás cobran nuevos sentidos…y desde ese vacío sus cuerpos ensayan una convención nueva y vieja a la vez. El espacio de encuentro inicial se transforma\, por tanto\, en un espacio sagrado\, en un no-lugar para la comunión. Tribu es un rito\, una invocación de energía\, un anhelo compartido de conexión. \nLa espera\, una coproducción de Teatros del Canal\,  con la colaboración del Teatro de la Abadía y con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid que se estrenó en 2021 en los Teatros del Canal con gran éxito de crítica y público\, cierra el ciclo con funciones  del 7 al 11 de diciembre. \nEn La espera\, cinco personas se transforman\, respectivamente\, en una chamana\, una miss-samurái\, una diva del show business\, un político de la nueva era y un guía espiritual-musical\,  ante la llegada de un gran cambio\, y para sortear con éxito sus desafíos. Todos esperan que algo suceda: un avance\, un reinicio\, una catástrofe\, un ajuste de cuentas\, una respuesta. Mientras tanto\, participan de un juego de competición en el que solo puede quedar uno\, como si ganar algo fuesen solo las migajas y ganar al resto\, lo fundamental. Pero ¿hay alguien a quien ganar? ¿Qué sucede cuando el futuro llega y te pilla disfrazado? ¿Puede uno no estar disfrazado? ¿Puede uno hacer algo que no sea esperar?. \n(Texto de Colectivo Fango)
URL:https://volodia.es/calendario-de-estrenos/tribu-trilogia-de-colectivo-fango-ii
LOCATION:Teatros del Canal (Sala Negra)\, C/ Cea Bermúdez\, 1\, Madrid\, Madrid\, 28003
CATEGORIES:Teatro
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SUMMARY:El peso de un cuerpo
DESCRIPTION:Una hija ha de cuidar de su padre quien\, tras sufrir un ictus\, vive un proceso de deterioro físico y mental que lo convierte en un ser totalmente dependiente. El padre\, que había representado un gran pilar (emocional e ideológico) para la hija\, se ha convertido en el paradigma de la fragilidad\, alguien que tiene alucinaciones y que no puede hacer las necesidades básicas de forma autónoma. \nLa falta de recursos económicos propios y la precariedad que viven las administraciones públicas provocan que la situación entre en una especie de espiral en caída libre. La manutención del padre hace que la hija deba venderlo todo\, desposeerse de todo lo que ha heredado\, y entra en un cierto delirio imparable. \nSolamente la llegada de un ángel\, conductor de una ambulancia y celador\, puede sacarlos del abismo. \nUna obra que aborda el tema del envejecimiento en nuestra sociedad actual. \n¿Qué sentido tiene mantener un cuerpo con vida\, el cuerpo de una persona que ha perdido las facultades básicas? ¿Cuándo se considera que una vida deja de ser digna? ¿Cómo asumir la decadencia de los progenitores y cómo hacer coexistir el sentimiento de amor con la carga emocional y económica que supone esta experiencia? Y ¿Cuál es la respuesta del Estado? \nLa ayuda de la Ley de dependencia que no llega nunca\, la falta de espacios públicos para hacerse cargo de la gente mayor\, las condiciones de precariedad y dejadez que vive el sector de la asistencia a la gente dependiente\, los precios abusivos y el negocio de las residencias privadas. \n(Texto de CDN) \n \nTexto: Victoria Szpunberg. \nDirección: Victoria Szpunberg. \nIntérpretes: Laia Marull\, David Mercé\, Carles Pedragosa y Sabina Witt. \nProducción: Centro Dramático Nacional\, Teatre Nacional de Catalunya y Velvet Events. \nFechas: del 30 de noviembre al 23 de diciembre de 2022. \nHorario: martes a domingo\, 18.00h.
URL:https://volodia.es/calendario-de-estrenos/copia-de-romeo-y-julieta
LOCATION:Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva)
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