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SUMMARY:Infidèles
DESCRIPTION:Autor:  Ingmar Bergman. \nIntérpretes: Ruth Becquart\, Robby Cleiren\, Jolente De Keersmaeker y Frank Vercruyssen. \nCompañía: tg STAN / de Roovers (Bélgica). \nProducción: Una coproducción del Festival D’Automne (París)\, Théâtre de la Bastille (París) y Théâtre Garonne (Toulouse).  \nFechas: 11 y 12 de noviembre de 2022. \nIdioma:  flamenco (con sobretítulos en español. \n40º Festival de Otoño \n\n\n \n\n\n\n\n\n “La última vez que tg STAN visitó el Festival de Otoño fue en 2014\, con su tentativa sobre Traición\, de Harold Pinter. Había estado también en 2012 y 2008. Era justo que la compañía belga volviera en esta cuadragésima edición\, y por partida doble. Hablaremos aquí de Infidèles\, a partir de un texto de Ingmar Bergman\, pero no está de más recordar -que la memoria cotiza a la baja en estos tiempos de presente radical y volátil- que tg STAN se fundó en 1989 y ha sido conocida y reconocida en todo el mundo; que suelen trabajar sin director de escena; que una de sus fundadoras\, Jolente De Keersmaeker\, es hermana de Anne Teresa De Keersmaeker\, la prestigiosa coreógrafa de la compañía Rosas\, emblema de la danza contemporánea. Y que el director y dramaturgo Tiago Rodriges trabajó con ellos durante un tiempo. Datos\, curiosidades\, que dan una idea ligera sobre el talento atesorado y sobre lo que podemos esperar de ellos. Ah\, por cierto\, STAN es el acrónimo de Stop Thinking About Names (Deja de pensar en los nombres). \nNo es fácil dejar de pensar en nombres como Ingmar Bergman\, cineasta y escritor sobre cuyos textos ya han trabajado antes dos veces De Keersmaeker y compañía (llevando a escena Después del ensayo\, en 2016\, y Escenas de la vida conyugal\, en 2013). Y en esta ocasión se les suma como actor y coproductor Robby Cleiren\, de la compañía -también belga- de Roovers; Cleiren compartía con tg STAN el deseo de profundizar en la obra del autor sueco\, que en este guion que escribió en 1996 (llevado al cine por la insigne Liv Ullmann) se introduce a sí mismo como narrador que dialoga directamente con sus personajes. Juntos han explorado esta sutil dimensión autobiográfica del original\, pero no con ánimo psicologista\, sino para ver cómo desde dentro también disecciona sin piedad las relaciones humanas\, él incluido. Han buscado esa lectura teatral desinhibida donde cabe la vitalidad y el humor\, pese a la dureza de los diálogos\, con el fin de levantar un homenaje sin afectación\, sin idolatría\, desde el respeto y la admiración\, al creador de joyas como Persona\, El séptimo sello o Fresas salvajes. \nAl principio de la película de Liv Ullmann se incluía una frase del escritor y dramaturgo alemán Botho Strauss: “No hay ningún fracaso\, ni la enfermedad ni la ruina profesional o económica\, que tenga un eco tan cruel y profundo en el inconsciente como un divorcio”. Ullmann y Bergman habían sido pareja tres décadas atrás (relación de la que nació su hija Linn Ullmann) y la historia juega desde el principio a un ajuste de cuentas por parte de un Bergman ya en retirada. La magia de la ficción convoca a los personajes. El viejo Bergman convoca a Marianne y le pide que confiese su infidelidad. En la película\, Marianne monopolizaba la palabra y hablaba largo y tendido. Para esta adaptación escénica\, las líneas se amplían\, se alimentan con otros textos y elementos del guion\, se redistribuyen y son asumidas por cuatro actores\, con el fin de reequilibrar el diálogo y dar más espacio a la voz de Bergman. Esos otros textos proceden de Linterna mágica\, la autobiografía del cineasta\, un libro que hablaba\, sin asomo de complacencia\, de sí mismo y de los artistas que conoció a lo largo de su vida. También de sus fracasos y de la inspiración que siempre fue Bach para él\, de quien recuerda que\, al volver de un largo viaje\, se enteró de que su mujer y dos de sus hijos habían muerto\, y solo acertó a gritarle al cielo: “Dios\, haz que mi alegría permanezca”. Bergman confiesa haber vivido persiguiendo esa misma alegría y este espectáculo se desarrolla como una composición musical de voces que exploran las múltiples variaciones en torno al tema central\, que no es otro que el propio Ingmar Bergman”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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LOCATION:Teatros del Canal (Sala Verde)\, C/ Cea Bermúdez\, 1\, Madrid\, Madrid\, 28003\, España
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SUMMARY:Cómo convertirse en piedra
DESCRIPTION:Dramaturgia:  Manuela Infante. \nDirección:  Manuela Infante. \nIntérpretes: Marcela Salinas\, Aliocha de la Sotta\, Rodrigo Pérez. \nCompañía: Manuela Infante (Chile). \nFechas: 11 y 12 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \n\n\n \n\n\n\n\n\n “Cuando decimos eso tan rimbombante de ‘el gran teatro del mundo’\, no incluimos ahí ni a las plantas ni a los seres inertes. Manuela Infante sí. La directora\, dramaturga\, músico y guionista chilena lleva unos años entregada a la tarea de pensar y hacer un teatro no-humano o post-antropocéntrico. Cuidado\, no se trata de un teatro poshumanista\, consagrando los haceres y sentires humanos a las máquinas. No\, se trata de una crítica a la mirada antropocéntrica y al modo en que los seres humanos nos relacionamos entre nosotros y con otros habitantes de este nuestro mundo. O incluso de otros\, porque Marte tiene una cierta presencia en Cómo convertirse en piedra. No digo más. Tampoco le anima incluir deliberadamente una perspectiva ecologista en estas últimas obras que está montando. “A mí lo que me moviliza -explica- tiene que ver con explorar y vulnerar la frontera entre humanidad y no humanidad. Entender cómo es que fuimos inventando esta idea de la naturaleza como algo exterior y\, por lo tanto\, explotable”. \nEste interés y el trabajo que alienta\, esta exploración especulativa\, comienzan cuando Manuela Infante deja la compañía Teatro de Chile\, en la que estuvo entre 2002 y 2016 y que la colocó en el lugar artístico del que hoy disfruta. En ese mismo 2016 estrena Realismo\, obra bisagra entre una etapa y la siguiente\, en la que ya se pone en crisis la noción moderna del ser humano como medida de todas las cosas. En 2017 estrena Estado vegetal\, donde las protagonistas son las plantas. En 2021 pone en escena Cómo convertirse en piedra y ya en enero de este 2022 sigue la colección con Fuego\, fuego\, estrenada en el Teatre Nacional de Catalunya\, que\, como su título indica\, se ocupa de ese elemento tan controvertido y tan ambivalente en la vida del planeta. El experimento no acaba en las temáticas elegidas\, sino que se busca también que lo formal\, que lo dramatúrgico\, se vea involucrado sacudiendo también los esquemas establecidos\, que son\, claro\, profundamente humanos. Si rompes una piedra por la mitad y sabes leerla\, encontrarás el dibujo del paso del tiempo creado por la sedimentación y los fenómenos geofísicos que determinan el lugar\, forma\, peso o textura de una simple roca. ¿Cómo lleva ese mecanismo al teatro? \nInfante tiene una metodología que ella llama “imitar la no humanidad con el cuerpo de la obra”. Para hablar de piedras\, recoge de las propias piedras la forma en la que va a hablar de ellas\, recoge de lo que observa los medios formales a través de los que hablará de lo observado. Llevando un paso más allá la idea aristotélica de mímesis\, propone modelos de actuación y narración imitando ese apilamiento de capas aglomeradas por efecto del paso del tiempo. La herramienta principal es el loop. Con un pedal de loops\, cada uno de los tres actores de la obra va superponiendo niveles narrativos y de acción. Además\, los personajes son una suma de ser vivo y no-vivo\, porque cada uno carga con su cadáver\, están duplicados. A través de improvisaciones\, se fueron extrayendo\, como minerales\, las palabras y las situaciones que quedaron luego fijadas en la obra. Se genera una dramaturgia ramificada donde tanto cuentan las sonoridades (muy trabajadas por ella misma\, como músico que es) como los materiales y las relaciones entre lo humano y lo no humano que hay en escena. Esa suerte de dramaturgia mineral extractivista (que alberga una crítica a su vez contra el extractivismo del capitalismo patriarcal con respecto a la Tierra y a la feminidad) se revela feminista por lo formal. “Veo mucho esfuerzo -explica la autora- por escribir narrativa feminista\, dramaturgia feminista\, y resulta casi siempre en ejercicios de tematización de los problemas del feminismo. Me parece más poderoso -en términos de cambiar el patriarcado- pensar desde nuestras disciplinas en modificar las estructuras formales. Son maneras de cuestionar las formas dramáticas hegemónicas que nos han sido entregadas por una cultura teatral y literaria que es patriarcal y antropocéntrica. Gran parte de cuestionar el paradigma de lo humano es cuestionar la supremacía masculina\, blanca\, europea\, especista. Están todas amarradas\, no son independientes”. Lo dice una creadora que\, pese a tener muchos teatros europeos poniéndole guita y medios para trabajar\, prefiere seguir viviendo en Chile\, con toda su precariedad a cuestas\, para no dejar de tener esa voz y esa mirada decolonial desde un sur global que puede plantearse cómo convertirse en una piedra\, cómo estar más cerca de lo otro\, lo no humano”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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LOCATION:Teatro de La Abadía (Sala José Luis Alonso)\, C/Fernandez de los Ríos\, 42\, Madrid\, Madrid\, 28015\, España
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SUMMARY:Petróleo
DESCRIPTION:Dramaturgia:  Piel de Lava y Laura Fernández. \nDirección:  Piel de Lava y Laura Fernández. \nIntérpretes: Elisa Carricajo\, Valeria Correa\, Pilar Gamboa y Laura Paredes. \nCompañía: Piel de Lava (Argentina). \nFechas: 11 y 12 de noviembre de 2022. \n40º Festival de Otoño \n\n\n \n\n\n\n\n\n “Petróleo pone en escena el día a día de un grupo de hombres que trabajan aislados en un yacimiento petrolero de la Patagonia argentina. Su dinámica cotidiana se ha visto alterada porque uno de ellos se acaba de incorporar recientemente a esta labor extrema. Conviven en un tráiler\, a solo unos metros del pozo\, que está ya casi vacío (interesante metáfora tangencial). Ahí abajo se sigue penetrando violentamente la tierra para sacarle hasta la última gota de oro negro. Arriba\, el tiempo libre se cubre de polvo. Es la quinta obra de la compañía argentina Piel de Lava\, un colectivo que ha basado su trabajo (desde que empezaron allá por 2003) en la búsqueda de un método de creación colectiva\, indagando en los mecanismos de la actuación y en la dramaturgia grupal. Sus componentes son cuatro mujeres\, cuatro actrices que lo gestionan todo\, que disfrutan de una fuerte conexión personal y laboral\, y que para su quinta pieza decidieron meterse en la piel de cuatro hombres que trabajan en la extracción de petróleo\, allá en la fría Patagonia. \nSucedió en 2018\, el gran año de Elisa Carricajo\, Valeria Correa\, Pilar Gamboa y Laura Paredes\, las cuatro integrantes de Piel de Lava. No solo estrenaron Petróleo sino que remontaron sus cuatro piezas anteriores para ofrecerlas todas juntas\, a modo de retrospectiva\, en el Teatro Sarmiento bonaerense. Y para coronar un año inolvidable\, recibieron\, las cuatro\, el premio a las mejores actrices en el BAFICI\, el festival internacional de cine independiente de la capital argentina\, por su participación en la monumental La Flor\, una película de Mariano Llinás que se estuvo rodando durante 10 años y dura 12 horas. En Petróleo hay una quinta mujer\, la quinta beatle\, como suelen llamarla\, Laura Fernández\, que no actúa pero colabora en la dirección y la dramaturgia. La idea de ser hombres no tenía un fin caricaturesco ni satírico\, fue un reto interpretativo que se pusieron a sí mismas y que partía de un deseo lúdico. Mariano Llinás dijo de ellas que juntas\, las cuatro\, eran una máquina de ficción infinita. Habían hecho de todo. ¿De todo? Lo explica Laura Paredes: “Hacer de hombres era un poco también por el chiste. Dijimos: ¿Qué cosas no hicimos? Bueno\, dentro de esas infinitas posibilidades de la ficción\, probemos a ser hombres. Luego eso derivó en una reflexión de género\, que es un tema que nos interesaba mucho”. \nParedes interpreta a Montoya\, “un débil un tanto mentiroso\, un tipo que se esfuerza por sostener su masculinidad”\, le describe ella. Elisa Carricajo se encarga de El Palla\, un machote\, como todos\, con un rollo muy de cabecilla sindical. Valeria Correa da vida a El Formo\, que\, según ella\, “aparenta ser mansito\, pero es puro fuego”. Finalmente\, Pilar Gamboa hace de El Carli\, “medio líder\, medio machirulo”. La obra no renuncia a transitar cuestiones que relacionamos con el llamado realismo social: ahí está la mirada del obrero\, los conflictos de una comunidad de trabajadores frente a una industria todopoderosa. Pero al final esto es una cuestión de cuerpos y sensibilidades\, las masculinas y las femeninas\, las que se exacerban artificiosamente y las que se ocultan celosamente. Como decía la crítica del periódico argentino Página12\, “hacer de lo masculino un efecto de la actuación implica mostrar la construcción\, volver extraño un comportamiento normalizado. La experiencia ensambla la empatía y la posibilidad de distanciarse\, de señalar la hechura de aquello que se acepta como masculino”. \n\n\n(Texto de Festival de Otoño)
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SUMMARY:Talaré a los hombres de la faz de la tierra
DESCRIPTION:María Velasco se hizo merecedora\, gracias a esta obra\, del Premio Max a Mejor Autoría Teatral en la última edición de los galardones escénicos más importantes de nuestro país\, un aval más para un texto formidable que su propia autora se ha encargado de poner en escena subrayando el compromiso con la feminidad y con la Naturaleza\, ambas amenazadas por un mundo toscamente masculinizado y extractivista. Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra pone en relación la violencia emocional y sexual con la violencia sobre el medio ambiente . Se erige como una historia\, con base autobiográfica\, de empoderamiento por lo verde\, protagonizada por una espléndida Laia Manzanares\, acompañada en escena por Joaquín Abella\, Miguel Ángel Altet\, Fran Arráez y Beatrice Bergamín. Pero la obra es mucho más y es todo a la vez\, es su tema\, su autora\, su texto\, sus actores y actrices\, y es también un ecosistema de sentido al que se suma la música (Peter Memmer)\, la danza (Joaquín Abella)\, la plástica (Marcos Carazo) y las artes visuales (Elena Juárez). Y es sobre todo la historia de la dolorosa adquisición de la voz propia contra el lenguaje materno y la historia de una educación emocional fallida. \n(Texto de Festival de Otoño) \n \nAutora: María Velasco.\n \nDirección: María Velasco. \nIntérpretes: Laia Manzanares\, Joaquín Abella\, Miguel Ángel Altet\, Fran Arráez (La Toñi) y Beatrice Bergamín. \nProducción: María Velasco (Pecado de Hybris) y Openfield Business. \nFechas: 11 de noviembre de 2022.
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LOCATION:Teatro Villa de Móstoles\, Plaza de la Cultura\, 1\, Móstoles\, Madrid\, 28934
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