El CDN ha presentado su temporada 2021-2022 en Madrid. Un total de 27 espectáculos -15 de ellos estrenos absolutos- con más de 60 actividades transversales, que tiene como hilo conductor la reconstrucción, personal y colectiva. De entre los montajes que compondrán el cartel de los dos teatros del Dramático -el María Guerrero y el Valle-Inclán-, figuran once producciones propias. Entre ellas están dos trabajos con la firma del director del CDN, Alfredo Sanzol: la reposición de El bar que se tragó a todos los españoles, y una obra inédita de Juan MayorgaEl Golem. Continuar leyendo “Fabrice Murgia, Chévere, Guillermo Calderón, Denise Despeyroux y Matarile, en la temporada 2021-2022 del CDN”
Otra de romanos, que cantaba Sabina (más o menos). El más veterano de nuestros festivales de clásicos arranca a finales de junio (día 25) en una 67 edición que, haciendo frente al Covid, como otros festivales, traerá conciertos, teatro, lecturas y otras actividades después de un 2020 con restricciones y programa algo menguado (fueron cinco semanas, frente a los dos meses largos de este año). Continuar leyendo “67º Festival de Mérida: los 10 momentos de la gran cita greco-latina”
Van ya 20 años de Clásicos en Alcalá, un festival dedicado a los clásicos de nuestro Siglo de Oro en la hermosa ciudad de Alcalá de Henares (Madrid) con entidad propia, enclaves teatrales como su Corral de Comedias o el Teatro Salón Cervantes, entre otros, y un programa que mejora año a año. Esta vigésima edición, que acaba de arrancar (10 junio-4 julio), ofrece 45 actividades, entre estrenos teatrales, conciertos, exposiciones, clases magistrales, presentaciones… Os ofrecemos un repaso rápido a la programación en 10 propuestas destacadas. Continuar leyendo “Clásicos en Alcalá: la cita madrileña en 10 noches”
Portugal es el país invitado en esta 44ª edición del Festival de Almagro. Con Castro (1598), del poeta portugués António Ferreira, el director luso Nuno Cardoso y el Teatro Nacional de Sâo Joâo abordan el canon de dramaturgia portuguesa y los orígenes de la tragedia en Portugal. 7 de julio.
Agustín Sasián dirige a la compañía La Luciérnaga en este divertimento a partir de El diablo Cojuelo, de Luis Vélez de Guevara, Los Sueños de Francisco de Quevedo y Rinconete y Cortadillo de Miguel de Cervantes. 5 de julio
Teatre de Ponent propone una mirada cómica a la inmortal novela de pícaros en esta pieza que dirige Txell Roda en la que se mezclan dos ficciones: la de la historia anónima de Lázaro de Tormes y la aparición en 1992 del original conocido como Lazarillo de Barcarrota.
Otro invitado portugués, con dirección de Fran Núñez: el Centro Dramático Galego y la Companhia de Teatro de Braga traen este texto de Gabriel Feixóo de Arauxo (1671) sobre una disputa por el derecho a pescar.
Ha pasado ya por Madrid, pero cómo no recomendar esta delicia a cargo de Sergio Peris-Mencheta y su tripulación en Barco Pirata: Castelvines y Monteses es una versión en versos de Lope de los amores de Romeo y Julieta (Roselo y Julia), en clave de hilarante y nostálgico viaje musical a los clásicos italianos. 7-11 julio.
Rafael Ortiz, Isabel Rodes, Elena Rayos, José Ramón Iglesias, José Vicente Ramos… La compañía Noviembre, con Eduardo Vasco a la dirección y versión de Yolanda Pallín, regresa a Almagro con el célebre drama de Lope de Vega. 16 y 17 de julio.
Emilio Hernández adapta y Magüi Mira dirige esta pieza de María de Zayas: un “sarao” en pleno Siglo de Oro. Comedia. Enredo. Sexo. Música. Verso. Baile. Cinco actrices representan a cinco mujeres. Y a tres hombres. Cinco mujeres que gozan y sufren. Que buscan amor. 9 y 10 de julio.
Ignacio García dirige esta producción de Museo Universidad de Navarra. El cantar de cantares es una performance poética que recorre los estados del amor en un viaje intenso e hipnótico. Con Ana Cris, Julián Ortega y Rita Barber. 23 y 24 de julio.
Ángeles Vázquez y la compañía Albadulake presentan Serrana, un espectáculo donde se une el material documental que cuenta la historia mantenida por el pueblo con contenidos de carácter antropológico donde la Serrana aparece como una divinidad pagana. Todo ello expresado a través de la danza, el circo y el mapping. 2 y 3 de julio.
En esta versión del Fuenteovejuna de Lope de Vega, según la compañía Títeres Sol y Tierra, el pueblo está representado por un rebaño de ovejas y el comendador es un perro. Mar de la Rosa y Álvaro Torre dirigen esta versión para niños a partir de 5 años en el ciclo Barrco Infantil Online. 4 de julio.
Tras el feliz paso de Desengaños amorosospor el Festival de Almagro, llega al Corral, de la mano de Estival Producciones, Lope y sus Doroteas, una mirada irónica de Ignacio Amestoy (adaptación)y Ainhoa Amestoy (dirección) sobre el “monstruo de naturaleza” que fue Lope de Vega. 14 y 15 de julio.
Yo, la peor del mundo es un musical de Vaivén Producciones sobre la posibilidad de lo imposible. Antonio Muñoz de Mesa escribe y Olga Margallo dirige un montaje en el que Sor Juana Inés de la Cruz se imagina una mujer imposible en su época y la recrea a base de disfraces. 8 y 9 de julio.
Qué mejor lugar para este viaje al misticismo que Almagro. Esta divina prisión es un recital de poesía creado por Raúl Losánez y Ana Contreras en el que confluyen las voces de nuestros grandes autores, desde Jorge Manrique a Emilia Pardo Bazán, pasando por Lope de Vega o Bécquer, con Eva Rufo, Lola Casamayor, Jesús Noguero y, al piano, Miguel Huertas. 16 y 17 de julio.
Una de las principales producciones de la temporada de la CNTC visita el festival. Dirigida por Xavier Albertí y con Lluís Homar, director de la compañía pública, en escena, El príncipe constante, de Calderón de la Barca, habla de la libertad de cada persona, defendida hasta sus últimas consecuencias. 16-18 y 20-25 de julio
PR3CIOXXA es un musical en el que las escenas juegan con el tiempo para ensamblar los siete temas en los que Mario Marcol ha rescatado las palabras originales de Cervantes reivindicando cómo deberíamos concebir el amor contemporáneo en una sociedad igualitaria sin cabida para la marginación. 16 de julio.
“San Juan de la Cruz es la combinación armoniosa de una cultura exquisita, refinada sensibilidad y el espíritu libre de un ‘pastor’ que se abre paso en el mundo como un rayo de luz entre tinieblas”, dice Rafael Álvarez ‘El Brujo’, que sigue con otro poeta clásico en su nuevo soliloquio. Un estilo único y ya clasico que regresa a Almagro. 20-21 julio.
Un Lope de Vega apenas representado y basado en el mismo mito del salvaje que La vida es sueño de Calderón. Humor, conspiraciones, traición, violencia y poesía de mano de los madrileños EscénaTe-Colectivo Allatock, con Ernesto Arias al frente. 23-24 julio.
La CNTC, con Lluís Homar al frente, viajan a los clásicos ingleses: este Shakespeare tiene a Ana Belén en escena junto al propio Homar, junto a un reparto cargado de nombres sólidos: Ernesto Arias, Rafa Castejón, Fernando Sansegundo, Elvira Cuadrupani… Un estreno absoluto para abrir el festival manchego. 1-4 julio.
Mari Paz Sagayo, Moncho Sánchez-Diezma, Manuel Monteagudo y Amparo Marín protagonizan esta versión de El perro del hortelano, la célebre comedia palatina de enredos y equívocos de Lope de Vega, con la mano hábil en la comedia de Paco Mir. Uno de los estrenos absolutos en el festival. 2-4 julio.
Y otro Perro del hortelano. Pero este motorizado: una versión de Ignacio García de la obra de Lope donde los celos y amores, las contradicciones entre lo socialmente correcto y el libre albedrío se desarrollan por las calles de Almagro, con cuatro únicos espectadores a bordo de un Mercedes. Del 2 al 25 de julio.
La crisis del Covid-19 ha obligado al cierre de todos los teatros, tal y como os comentamos. Eso no significa que toda la actividad escénica haya desaparecido. Desde Volodia damos las gracias a todos los teatreros, compañías, directores, actores, productores e instuituciones que se están esforzando estos días para que los amantes del teatro puedan disfrurarlo desde sus casas. Aquí va un resumen con algunas de las mejores propuestas, actualizadas a 27 de marzo. ¡Disfrutad todos del Día Mundial del Teatro!
CNTC
La Compañía Nacional de Teatro Clásico invita a celebrar el Día Mundial del Teatro con el visionado íntegro de El médico de su honra, el montaje de Calderón de la Barca de 1986 con el que Adolfo Marsillach, primer director de la institución, inauguró la CNTC. El estreno fue el 17 de abril de 1986, en el Teatro Cervantes de Buenos Aires, aunque el visionado ofrecido corresponde al reestreno del montaje que realizó la CNTC en 1994 y que el Centro de Documentación Teatral grabó en 1995. Un clásico con mayúsculas, historia viva de nuestro teatro.
National Theatre
El principal centro de creación teatral contemporánea del Reino Unido -sería el equivanelnte a nuestro Centro Dramático Nacional- ha puesto en marcha National Theatre at home, un servicio que subirá cada jueves a su canal de YouTube una obra completa gratis de su catálogo y que mantendrá mientras dure el cierre de los teatros.
Una propuesta de LaJoven, una compañía que combina lo teatral con lo formativo, compuesta por jóvenes actores. Ofrece en su canal de Youtube su montaje de Fuenteovejuna, de Lope de Vega, en versión de Juan Mayorga y dirigido por José Luis Arellano, que estrenaron en 2015, junto a otros montajes como La edad de la ira de Nando López; PLAYOFF de Marta Buchaca; Hey Boy Hey Girl, de Jordi Casanovas; y su último estreno, Fortunata y Benito, de Laila Ripoll.
Pantalla Pentación
Una de las más interesantes propuestas viene de la mano de la productora Pentación, que se ha visto obligada a cerrar sus teatros La Latina y Bellas Artes, algo que, como recuerdan, no había sucedido en toda su historia, ni siquiera durante la Guerra Civil. Pentación ha decidido compartir online sus contenidos. Cada semana ofrecerá dos obras online de forma totalmente gratuita y en abierto (disponibles únicamente durante 7 días) en las páginas web de Pentación, La Latina y Bellas Artes. Después de Fedra, de Paco Bezerra, dirigida por Luis Luque, y Todas las noches de un día, de Alberto Conejero y dirigida por Luis Luque, estos días puede verse El eunuco, comedia a partir del clásico de Terencio dirigida por Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez (en la web de La Latina) y Julio César, versión de Paco Azorín de la obra de Shakespeare (web del Teatro Bellas Artes).
La Teatroteca
El Centro de Documentación Teatral ha tenido que cerrar sus puertas estos días, pero su servicio de “videoclub teatral” online, la Teatroteca, sigue funcionando y es el lugar idóneo para reencontarse con cientos de títulos de los últimos años. Su catálogo asciende a casi 1.600 obras, con lo mejor de la cartelera española. Un sitio imprescindible para estos días. Solo hace falta darse de alta. Como medida excepcional, mientras dure el estado de alarma, los préstamos de obras en streaming de la Teatroteca seguirán la fórmula 1/1/1: un usuario, una obra, un día.
Estudio 1
No es ninguna novedad. Siempre están ahí, pero por si alguien no lo conoce, los Estudio 1 de TVE, que durante años marcaron un estilo y crearon afición, siguen estando disponibles online en la web de TVE. 180 producciones completas, con clásicos desde los años 60 hasta ahora. Desde Las brujas de Salem y Un enemigo del pueblo al Urtain o Alesio, por citar solo algunos ejemplos, además de piezas sueltas y documentales sobre grandes figuras de nuestra escena, desde José Bódalo y Aurora Redondo a José María Rodero o María Luisa Puente.
Ministerio de Cultura
El Ministerio de Cultura ofrece a través de su página web una selección de canales con contenidos varios, desde museos a música clásica. Entre estos contenidos hay sendos canales dedicados a la Compañía Nacional de Danza, el Teatro de la Zarzuela y al Teatro Real. No se trata de obras completas, pero hay multitud de vídeos con reportajes, ensayos y contenidos interesantes.
Alltheater
Otra “videoteca” de teatro, esta privada y con obras de los últimos años de la escena española: Alltheater.es. Un buen lugar para asomarse a las últimas creaciones, teatro joven, arriesgado, independiente y creativo. Para muestra, algunos botones: La ternura, de Alfredo Sanzol, Scratch, de Grumelot Teatro, Pornocapitalismo, de Santi Senso, Juguetes rotos, de Carolina Román… Solo hay que darse de alta y tiene algunos contenidos gratuitos y otros de pago (desde 3 euros por alquiler de obra). De momento, tienen un repertorio bastante limitado, pero casi todo es interesante.
The Hole
Aferrados al lema “Saldremos del agujero”, los creadores del cabaret de Let’s Go proponen cada tarde un encuentro con algunos de los protagonistas de este desenfadado e irreverente musical a través de su cuenta de Instagram (theholeshow). Ya han pasado por los directos de la cuenta -abiertos y gratuitos para cualquier que quiera seguirlos- la Terremoto de Alcorcón y Álex O’Dogherty, entre otros artistas. Hoy, 19 de marzo, estarán David Bastida, Manu Badenes y Anna Herebia.
Playtheatres
Otra web interesante, esta para ver teatro de la cartelera catalana, es Playtheatres. Funciona también como un videoclub online. La mayor parte es teatro en catalán, aunque no todo necesariamente. Entre otra obras, pueden verse bastantes montajes de Dagoll Dagom, como su emblemático musical Mar i Cel y su aventura oriental Mikado, algunas producciones de Tricicle, desde Slastic y Exit a BITS, muchos títulos de T de Teatre como ¡Hombres!, Delicadas y E.V.A., y un amplio frepertorio de óperas del Liceu.
Lliure al Sofá
El Teatre Lliure ha inaugurado las sesiones de Lliure al sofá, una iniciativa de teatro online que sigue unos horarios fijos. Comenzó con Hamlet, y cada fin de semana, por las noches, ofrecerán un montaje a través de sus redes sociales Youtube, Twitter e Instagram). La próxima, una propuesta infantil, en horario matinal 12h.) para este fin de semana, del viernes 20 al domingo 22 de marzo: Renard o el llibre de les bèsties.
Más teatro en catalán
Si vivís en Cataluña, o si habláis catalán, la web Espectáculos BCN ha recogido unas cuantas propuestas interesantes. Incluye algunas propuestas de teatgro en valenciano igualmente.
Una mesa. Unos hombres con máscaras. Una pieza de danza. Un aviso. Millones de muertos. Muchos en Europa estuvieron ciegos. Pero hubo quien supo ver qué iba a suceder. Hubo quien supo adelantarse al Holocausto, quien acertó a entender que aquellos hombres uniformados que extendían el brazo no sólo iban a construir un nuevo Reich, sino que lo iban a hacer extendiendo la muerte y el terror.
La historia de La mesa verde, la coreografía de 1932 de Kurt Jooss, que es la que ahora recupera en formato documental y performático la indagadora de la escena Olga de Soto, es una de las más fascinantes de la danza en Occidente. Es la historia de cómo un coreógrafo supo anticiparse a la locura de todo un país.
Olga de Soto lo cuenta en Una introducción, una pieza documental creada en 2010 -producida en su día por el Festival Tanz Im August, en Berlín, Les Halles, en Bruselas y el CCN de Belfort – que presenta en los Teatros del Canal (días 9 y 10 de marzo). La valenciana, que vive y trabaja en Bélgica desde hace décadas, fue alumna en 1988 y 1989 de Hans Züllig, uno de los bailarines que estrenaron la mítica pieza con Jooss. En su documental, De Soto acercó su mirada a bailarines de aquella Mesa verde y a quienes la vieron en escena poco después de su estreno, que cuentan a cámara su experiencia.
De Soto ha trabajado con Meg Stuart, Boris Charmatz y Jérôme Bel, entre otros nombres. En 1992 comenzó a coreografiar. Desde 2004, cuando estrenó su pieza histoire(s), sobre un célebre ballet de Cocteau -la trajo a Madrid en 2005, dentro del festival Escena Contemporánea, y la programó en versión filme el Teatro Pradillo en 2016-, propone además reflexiones sobre el aspecto documental e histórico de la danza contemporánea.
Al margen de la trayectoria de De Soto, ¿por qué es especial Una introducción? Porque lo es su materia de estudio, una coreografía del alemán Kurt Jooss, con música de su compatriota Fritz Cohen. Estrenado en París en 1932 por la Folkwang Tanzbuhne, y reestrenado por la misma compañía en 1933 en su país -por aquel entonces llamada ya Jooss Ballet-, aquel aviso a la sociedad alemana cayó entonces en saco roto, pero sigue llamando a nuestras puertas hoy en día.
Jooss subtituló aquella coreografía de unos 30 minutos Una danza de la muerte en ocho escenas. Europa tenía muy presente el horror de la Gran Guerra -entonces no se hablaba aún de la “Primera”-, que había dejado estragos imborrables en millones de familias . La mesa verde era, en parte, también un grito contra la muerte y la destrucción a gran escala. Pero los estudiosos coinciden: por encima de esa lectura, está el aviso contra Hitler y la locura que trajo consigo.
En escena, una larga mesa. A un lado y otro, hombres trajeados con máscaras y prótesis grotescas que comienzan a interactuar, a bailar, con la mesa. La política es violenta y fea: los políticos de Jooss juegan con el espacio, el lebensraum: hacen aspavientos sobre la mesa donde deberían sentarse a hablar, a comer, a compartir, a solucionar. Son como sanguijuelas, seres venenosos que imponen sus pies, sus cuerpos sobre ese espacio. La mesa es como el planeta volador de El gran dictador. Su juguete.
La pieza sigue con escenas de los horrores de la guerra y las danzas de la muerte: las familias rotas, los amantes separados, los refugiados, la prostitución a que se ven abocadas las mujeres… y los supervivientes. Como si Jooss se adelantara a las imágenes de la liberación de los campos infaustos.
En realidad, el coreógrafo de Stuttgart no podía prever el Holocausto. Pero parece que sí sacó conclusiones lógicas del momento sociopolítico: Alemania estaba humillada por el tratado de Versalles. Sus políticos, airados, calentaban al pueblo con arengas y le llenaban la cabeza de ideas patrióticas, de desaires y agravios -unos reales, otros exagerados o ficticios-, y Jooss supo ver, he ahí su mérito probablemente, que aquello conduciría a otra guerra y a más horror. El movimiento nacional-socialista (que llegaría al poder un año más tarde) sin duda estuvo en el ambiente que marcó a Jooss, aunque es aventurado asegurar que estuviera pensando en el cabo de Bohemia cuando creó la escena primera, con los políticos siniestros alrededor de la mesa.
Con la llegada de Hitler al poder en 1933, Jooss, artista y amigo de judíos, pronto fue incómodo y acusado. He leído que Hitler quiso programar su ballet, pero que el coreógrafo se negó y por eso tuvo que huir. No he podido corroborar este dato. Se asentó en Londres con el Jooss Ballet. Al acabar la guerra, regresó a su país y se estableció como un prestigioso profesor. La Universidad de las Artes Folkwang, de la que fue fundador y director hasta 1968, sigue activa hoy en día. Jooss fue el padre, el fundador de la danza-teatro (tanztheater). Pina Bausch y Susan Linke, sus discípulas aventajadas.
“No deja de ser curioso que el Holocausto, el hecho histórico que marcó al siglo XX y a casi todas sus artes -el cine, la literatura, el teatro- haya dejado menor huella en la danza”
No deja de ser curioso que el Holocausto y la II Guerra Mundial, el hecho y el momento históricos que marcaron al siglo XX y a casi todas sus artes -el cine, la literatura, el teatro- hayan dejado huella también, pero diría que mucho menor, en la danza. Hace unos años, Israel Galván estrenó «Lo real/Le réel/The Real», una pieza sobre el exterminio de los gitanos en los campos nazis. Antes que él, Nacho Duato, al frente de la CND, se adentró en el tema en su pieza Lamento(1990). Los norteamericanos Pilobolus habían estrenado A Selection (1999). Algunas otras coreografías a cargo de compañías israelíes, unas cuantas aventuras semi-amateurs o por agrupaciones de segunda línea… Pero poca repercusión o influencia real en los coreógrafos y agrupaciones que han dejado su nombre en la historia de las últimas décadas de la danza.
Nos queda Jooss, y las letras de otro Cohen, Leonard: “Dance me to your beauty with a burning violin / Dance me through the panic till I’m gathered safely in / Lift me like an olive branch and be my homeward dove / Dance me to the end of love”. Hazme danzar hacia tu belleza con un violín en llamas. Sí, hablaba de Auschwitz.
Estrellas Volodia
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